Neun Frauen Alex Katz’ (geb. 1927 in New York City) 23 Frauenköpfe sind ein 73 Meter langes Plakatgemälde im Herzen des Times Square, dem Zentrum des New Yorker Theaterviertels. Doris C. Freedman, Vorsitzende des Public Arts Council, kommentierte Katz’ Werk: „Es ist ein hervorragendes Beispiel dafür, wie öffentliche Räume durch die Integration von Kunst in das urbane Umfeld belebt und aufgewertet werden können. Alex Katz’ Entwurf – eine Prozession von 24 Frauengesichtern – verleiht der sonst so belebten 42nd Street und dem Broadway eine fließende, leichte und großzügige Atmosphäre.“ Das Werk besteht aus 23 jeweils 6 Meter hohen Frauenköpfen, die auf dem 73 Meter langen Plakat und dem dahinter aufragenden 18 Meter hohen Turm thronen und Amerikas kommerziellster Straße die unverwechselbare Vision eines der führenden zeitgenössischen Künstler der USA verleihen.
Agnes Denes (geb. 1931 in Budapest, Ungarn) und ihre Helfer bestellten und ernteten 1.5 Hektar Weizen auf der Mülldeponie Battery Park City. Die Aussaat erfolgte durch das Ausheben von 285 Furchen von Hand, das Entfernen von Steinen und Müll sowie das anschließende Ausbringen des Saatguts von Hand und das Bedecken der Furchen. Jede Furche benötigte zwei bis drei Stunden. Vier Monate lang pflegten Denes und ihre Helfer das Feld, installierten eine Bewässerungsanlage, jäteten Unkraut, düngten, entfernten Steine, Felsbrocken und Drähte von Hand und spritzten Mittel gegen Mehltau. Am 16. August 1982 erntete Denes die Ernte und erzielte einen Ertrag von fast 1000 Kilogramm gesundem, goldgelbem Weizen. Denes beschreibt das Projekt als „Symbol, ein universelles Konzept. Es steht für Nahrung, Energie, Handel, Welthandel, Wirtschaft. Es verweist auf Misswirtschaft und Welthunger. Es ist ein Eindringen in die Zitadelle, eine Konfrontation mit der Hochkultur. Und doch ist es auch Shangri-La, ein kleines Paradies, die eigene Kindheit, ein heißer Sommernachmittag auf dem Land, Frieden. Vergessene Werte, einfache Freuden.“
Botschaften an die Öffentlichkeit bildete einen wichtigen Bestandteil der Public Art FundDas langjährige Engagement der Galerie für medienbasierte Kunstwerke. Die von 1982 bis 1990 laufende Ausstellung präsentierte eine Reihe von Künstlerprojekten, die speziell für die Spectacolor-Leinwand am Times Square geschaffen wurden.
Wie Russell Miller von der Zeitung „The Toledo Blade“ aus Ohio in seinem Artikel vom 19. Februar 1984 erklärte: „Jeden Monat präsentiert ein anderer Künstler eine 30-sekündige Animation auf der Spectacolor-Lichtwand – einer 800 Quadratmeter großen Anlage mit 8,000 roten, weißen, blauen und grünen 60-Watt-Glühbirnen, die das Bild des Times Square dominiert. Der Spot wird zwei Wochen lang mehr als 50 Mal täglich wiederholt und ist in eine 20-minütige Schleife computeranimierter Werbespots eingebunden.“
Als Artist-in-Residence schuf David Hammons (geb. 1943 in Springfield, Illinois) eine temporäre Skulptur mit dem Titel Höhere ZieleDas Werk wurde innerhalb von acht Wochen vor Ort im Cadman Plaza Park in Brooklyn errichtet.
Höhere Ziele Das Projekt besteht aus fünf mit Kronkorken besetzten Telefonmasten mit einer Höhe von 20 bis 30 Metern. An der Spitze jedes Mastes ist ein Basketballbrett (ebenfalls mit Kronkorken bedeckt) mit Korb und Netz angebracht. In einem aufwendigen Verfahren nagelte Hammons über 10,000 Kronkorken auf die Oberfläche jedes Mastes und schuf so einzigartige Rauten-, Spiral- und Netzmuster. Hammons erklärte das Konzept hinter „Higher Goals“ anhand einer Analogie zu professionellen Basketballmannschaften: „Man braucht fünf Spieler für ein Team, aber Tausende wollen spielen – nicht jeder schafft es, aber selbst wenn nicht, hat man es wenigstens versucht.“ Diese Aussage verdeutlicht Hammons’ Überzeugung, dass Ambitionen nicht durch festgelegte Grenzen eingeschränkt werden sollten und dass man sich höhere Ziele setzen sollte (d. h. über die übliche Höhe von 10 Metern für ein Basketballnetz hinaus).
Spiders Das Werk von Louise Bourgeois (1911–2010, geb. in Paris, Frankreich) war im Sommer 2001 im Rockefeller Center zu sehen. Es zeigt eine 30 Meter hohe Spinne. Mama—was in Bourgeois’ Muttersprache Französisch „Mama“ bedeutet — trägt einen Korb mit Eiern und wird von zwei kleineren Spinnen flankiert. Brian D. Leitch aus Das New York Times Magazin „Louise Bourgeois hat, ähnlich wie die riesige Mutter-Spinne, die sie vor einigen Jahren geschaffen hat, seit mehr als sechs Jahrzehnten ein Netz aus seltsam großartigen Werken gesponnen – und endlich, mit 90 Jahren, wird ihr die gebührende Anerkennung zuteil“, erklärte er.
Public Art Fund, in Zusammenarbeit mit der Stadt New York, präsentiert Die New Yorker Wasserfälle, ein bedeutendes neues Werk der öffentlichen Kunst des international gefeierten Künstlers Olafur Eliasson (geb. 1967 in Kopenhagen, Dänemark). Die Ausstellung mit vier künstlich angelegten Wasserfällen monumentaler Größe war bis zum 13. Oktober 2008 an vier Standorten an der New Yorker Küste zu sehen: einer am Brooklyn-Ankerplatz der Brooklyn Bridge; einer an den Brooklyn Piers zwischen Pier 4 und 5 nahe der Brooklyn Heights Promenade; einer in Lower Manhattan am Pier 35 nördlich der Manhattan Bridge; und einer am Nordufer von Governors Island. Die 27 bis 37 Meter hohen Wasserfälle waren montags und mittwochs von 17:30 bis 21:00 Uhr und dienstags, donnerstags bis sonntags von 12:30 bis 21:00 Uhr in Betrieb. Nach Sonnenuntergang wurden sie beleuchtet.
Tatzu Nishi (geb. 1960 in Nagoya, Japan) ist international bekannt für seine temporären Kunstwerke, die unsere Wahrnehmung von Denkmälern, Statuen und architektonischen Details verändern. Seine Installationen ermöglichen der Öffentlichkeit einen intimen Zugang zu Aspekten unseres urbanen Raums und verändern gleichzeitig unsere Sichtweise grundlegend. Für sein erstes öffentliches Projekt in den Vereinigten Staaten hat sich Nishi der historischen Statue von Christoph Kolumbus gewidmet.
Die Marmorstatue, die sich auf einer Granitsäule über 75 Meter erhebt, wurde von dem italienischen Bildhauer Gaetano Russo entworfen. Sie wurde 1892 zum 400. Jahrestag von Kolumbus’ erster Reise nach Amerika enthüllt. Trotz ihres prominenten Standorts ist die Statue selbst wenig bekannt und nur als Silhouette vor dem Himmel oder aus der Ferne von den umliegenden Gebäuden aus sichtbar.
Nishis Projekt interpretiert die kolossale, fast vier Meter hohe Kolumbus-Statue in einem komplett eingerichteten, modernen Wohnzimmer neu. Mit Tischen, Stühlen, Sofa, Teppich und Flachbildfernseher spiegelt die Einrichtung die Interpretation des Künstlers vom zeitgenössischen New Yorker Stil wider. Er entwarf sogar Tapeten, inspiriert von Erinnerungen an die amerikanische Popkultur, da er als Kind in Japan Hollywood-Filme und -Fernsehsendungen gesehen hatte. Die Entdeckung von Kolumbus Das Werk bietet sowohl eine einzigartige Perspektive auf ein historisches Denkmal als auch ein surreales Erlebnis der Skulptur in einem neuen Kontext. Indem es uns eine Reise sechs Stockwerke hinauf in ein imaginäres Wohnzimmer ermöglicht, lädt Tatzu Nishi uns ein, selbst zu entdecken, wohin die Fantasie führen kann.
Ai Weiwei konzipierte diese multimediale Ausstellung an verschiedenen Orten in New York City, die öffentliche Plätze, Denkmäler, Gebäude, Verkehrsknotenpunkte und Werbeflächen umfasst. Gemeinsam bilden diese Elemente eine leidenschaftliche Reaktion auf die globale Migrationskrise und eine Reflexion über den tiefgreifenden sozialen und politischen Impuls, Menschen voneinander zu trennen. Für Ai haben diese Themen tiefe Wurzeln. Er erlebte als Kind mit seiner Familie das Exil, das Leben als Immigrant und Kunststudent in New York und in jüngerer Zeit brutale Repression als Künstler und Aktivist in China. Die Ausstellung greift viele Aspekte von Ais Karriere als bildender Künstler und Architekt auf und ist sowohl von seinen eigenen Lebenserfahrungen als auch vom Leid vertriebener Menschen geprägt. 2016 bereiste Ai mit seinem Team 23 Länder und über 40 Flüchtlingslager, um seinen Dokumentarfilm zu drehen. Menschlicher Fluss.
„Gute Zäune machen gute Nachbarn“ ist ein volkstümliches Sprichwort, das in Robert Frosts Gedicht „Die Mauer reparieren“ zitiert wird, in dem die Notwendigkeit einer Grenzmauer hinterfragt wird. Ai Weiwei wählte diesen Titel mit einem ironischen Lächeln und einem feinen Gespür dafür, wie populistische Ideen oft Angst und Vorurteile schüren. Besucher der Ausstellung werden entdecken, dass Ais „gute Zäune“ keine undurchdringlichen Barrieren sind, sondern kraftvolle, eindringliche und wirkungsvolle Ergänzungen des Stadtbildes.
Mehrere Standorte
Strömungstrennung Das Werk ist ein Auftragswerk der in New York lebenden Künstlerin Tauba Auerbach (geb. 1981 in San Francisco, Kalifornien), die das historische Feuerlöschboot John J. Harvey in ein modernes „Dazzle Ship“ verwandelt. Die ursprünglichen Dazzle-Muster, die der britische Maler Norman Wilkinson während des Ersten Weltkriegs erfand, wurden auf Schiffe gemalt, um deren Formen optisch zu verzerren und so feindliche U-Boote bei der Verfolgung von Entfernung, Richtung und Geschwindigkeit zu verwirren. Mit ihren geometrischen Formen waren die Dazzle-Muster stark von der Tiertarnung und Avantgarde-Bewegungen wie Kubismus, Futurismus und Vorticismus beeinflusst. Tausende Schiffe wurden in Großbritannien und den USA, darunter auch in New York City auf der Brooklyn Navy Yard, mit Dazzle-Mustern versehen.
Monumentale Strukturen Dies ist die erste große Ausstellung von Skulpturen im öffentlichen Raum der in New York lebenden Künstlerin Carmen Herrera (1915–2022, geb. in Havanna, Kuba). Seit über 70 Jahren schafft sie ausdrucksstarke, abstrakte Gemälde, doch erst in jüngster Zeit erfuhr sie die ihr gebührende kunsthistorische Anerkennung. Herreras strahlende Kompositionen reduzieren dynamisch einander gegenübergestellte Formen auf ihre reinsten Elemente Farbe und Geometrie und erzeugen so eine unverwechselbare und ikonische Klarheit, indem sie das betont, was sie als „die Schönheit der geraden Linie“ empfindet.
Herreras KONSTRUKTIONEN Eine Reihe von Skulpturen ist noch weniger bekannt. Geprägt von ihrer Architekturausbildung begann Herrera die Serie in den 1960er Jahren mit einer Gruppe schematischer Skizzen. Sie entwarf großformatige, monochrome Skulpturen, die die Wirkung ihrer leuchtenden Gemälde in die dritte Dimension erweitern sollten. Bis vor Kurzem blieben diese wegweisenden Entwürfe unrealisiert. Monumentale StrukturenDiese bemerkenswerte Künstlerin ist nun zum ersten Mal in der Lage, ihre ausdrucksstarken Skulpturen einem breiten Publikum zu präsentieren.
Eroberung „Conquest“ ist eine fesselnde neue Gemeinschaftsperformance des gefeierten Künstlers Pope.L (1955–2023, geb. in Newark, NJ). Inspiriert ist sie von seinen legendären Solo-Kriechgängen, bei denen er sich durch verschiedene urbane Landschaften schleppte. „Conquest“ führt diese respektlose und provokante, 40-jährige Tradition öffentlicher Performances fort und führt die Straßen und Parks von Downtown Manhattan mit einem ambitionierten Gruppenkriechgang fort, an dem über 140 Freiwillige teilnehmen.
Die Künstlerin wählte Teilnehmer aus, die die kulturelle und demografische Vielfalt New Yorks widerspiegeln, um gemeinsam eine 1.5 Kilometer lange Strecke vom John A. Seravalli Playground im West Village über den Triumphbogen im Washington Square Park zum Union Square zu kriechen. Fremde erleben dabei den Kampf und die Verletzlichkeit, die mit dem Verzicht auf körperliche Privilegien einhergehen, und persiflieren so ihren eigenen sozialen und politischen Vorteil. Im Verlauf von „Pope.L’s Conquest“ erhalten wir alle einen Einblick in die Macht und die Widersprüche kollektiven Handelns.
Ausgestellt an den Ufern dieses ehemaligen Schifffahrtshafens, Schwarzer Atlantik Die Ausstellung „Black Atlantic“ ist von der transatlantischen Diaspora inspiriert, die Afrika mit Amerika und Europa verbindet. Über die Jahrhunderte haben diese Netzwerke komplexe, hybride Kulturen und Identitäten hervorgebracht, wie sie auch die fünf in „Black Atlantic“ vertretenen Künstlerinnen und Künstler verkörpern. Jedes Werk zeugt von einem einzigartigen kreativen Ansatz zur Gestaltung neuer Identitäten und Zukunftsvisionen durch die persönliche Note handgefertigter Arbeiten, oft im Dialog mit Prozessen der Massenproduktion. Die Künstlerinnen und Künstler haben sowohl globale Geschichte als auch persönliche Erfahrungen in ihre Arbeit einfließen lassen, um diese eindrucksvollen Werke zu schaffen, die in Form und Material ebenso innovativ wie in ihren Themen kraftvoll sind.
Die in Äthiopien geborene und derzeit in der Elfenbeinküste lebende Aïda Muluneh schafft ausdrucksstarke Fotografien, die ihre nationale, politische und kulturelle Identität widerspiegeln. Mithilfe von Metaphern gestaltet sie poetische Vignetten, die Facetten ihrer Erfahrungen als äthiopische Frau und Immigrantin einfangen. Muluneh verließ Äthiopien in jungen Jahren und wuchs zwischen Jemen und England auf. Später lebte sie in Zypern und Kanada, bevor sie in den Vereinigten Staaten studierte. Ihre Arbeit spiegelt ihr Interesse wider, komplexe, dezidiert afrikanische Perspektiven sowie ihre eigenen Reisen um die Welt zu vermitteln. Hier bin ich ist eine Ausstellung mit 12 neuen Kunstwerken von Muluneh (geb. 1974, Addis Abeba, Äthiopien), die in über 330 JCDecaux-Bushaltestellen in New York, Boston und Chicago in den Vereinigten Staaten sowie in Abidjan in der Elfenbeinküste präsentiert wird.
