Leilah Babirye, Hugh Hayden, Dozie Kanu, Tau Lewis und Kiyan Williams Schwarzer Atlantik

Ausgestellt an den Ufern dieses ehemaligen Schifffahrtshafens, Schwarzer Atlantik ist eine Ausstellung, die von der Diaspora über den Ozean inspiriert ist und Afrika mit Amerika und Europa verbindet. Im Laufe der Jahrhunderte haben diese transatlantischen Netzwerke zu komplexen hybriden Kulturen und Identitäten geführt, wie sie beispielsweise die fünf in der Ausstellung vertretenen Künstler aufweisen. Schwarzer AtlantikJede Auftragsarbeit zeugt von einem einzigartigen kreativen Ansatz zur Gestaltung neuer Identitäten und Zukunftsvisionen durch die persönliche Note handgefertigter Werke, oft im Dialog mit Prozessen der Massenproduktion. Die Künstlerinnen und Künstler haben sowohl globale Geschichte als auch persönliche Erfahrungen in ihre Arbeit einfließen lassen, um diese eindrucksvollen Werke zu schaffen, die in Form und Material ebenso einfallsreich wie in ihren Themen kraftvoll sind.

Schwarzer Atlantik wird gemeinsam mit dem Künstler Hugh Hayden kuratiert und Public Art Fund Adjunct Curator Daniel S. Palmer.

Agali Awamu (Zusammengehörigkeit), 2022.
Leila Babirye (geb. 1985 in Kampala, Uganda; lebt und arbeitet in Brooklyn, New York) präsentiert zwei neue Gruppen monumentaler Holzskulpturen aus Weißkiefer. Sie schnitzte diese figürlichen Formen von Hand und mit der Kettensäge und nutzte dabei ihre Ausbildung in traditionellen afrikanischen Techniken. Babirye verzierte sie durch Brennen, Polieren und Verzieren mit geschweißtem Metall und gefundenen Abfallmaterialien, wodurch sie den Abfall in etwas Spektakuläres verwandelte und seinen inneren Wert aufzeigte. Diese Skulpturen, die sie „Trans-Queens“ nennt, sollen „stolz als Leuchtfeuer der Freiheit stehen und eine internationale LGBTQ+-Community willkommen heißen“.

Golfstrom, 2022.
Hugh Hayden (geb. 1983 in Dallas, Texas; lebt und arbeitet in New York City, New York) konzipierte diese Ausstellung und steuerte dieses surreale Kunstwerk bei. Hayden kombinierte den äußeren Rumpf eines in Klinkerbauweise gefertigten Bootes mit einem walartigen Skelett im Inneren, um dieses an Land gespülte, leere Schiff zu erschaffen. Die Form und der Titel „Golfstrom“ verweisen gleichzeitig auf ein Gemälde von Winslow Homer aus dem Jahr 1899, das eine einsame schwarze Figur in Notlage auf einem gestrandeten Boot zeigt, und interpretieren es neu. Auch Kerry James Marshalls Neuinterpretation aus dem Jahr 2003, die die Szene in eine Szene der Muße verwandelt hat, spielt eine Rolle. Hayden sieht seine Golfstrom Die Skulptur ist zugleich ein Boot und ein Körper, dessen unbekannte Passagiere sich möglicherweise in Sicherheit gebracht haben oder vom Meer verschlungen wurden.

Auf Ellbogen, 2022.
Dozie Kanu (geb. 1993 in Houston, Texas; lebt und arbeitet in Santarém, Portugal) hat ein Ensemble surrealer Objekte geschaffen, das die Spannungen zwischen öffentlichen und privaten Aspekten des Selbst verdeutlicht. Ein Gefäß mit schwarzer Flüssigkeit, das im Rhythmus eines menschlichen Herzschlags pulsiert, und eine aus Beton gegossene Chaiselongue (typischerweise mit der Psychoanalyse assoziiert) evozieren Selbstreflexion und zugleich die trüben Tiefen des individuellen und kollektiven Unbewussten. Die Felgen des Sofas, die an „Texan Wire Wheels“ erinnern (auch als „Ellbogen“ oder „Swangas“ bezeichnet), verweisen auf die pulsierende Automobilkultur der „SLAB-Kultur“ seiner Heimatstadt Houston. Er beschreibt die individuelle Gestaltung von Autos innerhalb dieser Tradition als „freie und spielerische Formung des eigenen materiellen Eigentums – Gesten, die ich angesichts des Verhältnisses, in dem sich Afroamerikaner weiterhin zwischen Besitz und Selbstbestimmung bewegen, als zutiefst komplex und vielschichtig empfinde.“

Wir pressten unsere Bäuche aneinander und strampelten mit den Beinen; wir wurden zu etwas so Fremdartigem, dass wir keine natürlichen Feinde mehr hatten., 2022
Wir sahen zu, wie sich die Menschheit entwickelte, während wir im Meeresboden versanken; der Mond blickte auf uns herab und sagte uns, die Erde habe ein schweres Herz., 2022
Wir fragten uns, ob die Engel uns verlassen hatten oder ob sie einfach unbemerkt ihre Gestalt verändert hatten. Jede Nacht verschwanden Wesen, jeden Morgen tauchten Fremde auf., 2022
Tau Lewis (geb. 1993 in Toronto, Kanada; lebt und arbeitet in Brooklyn, New York) ließ sich zu diesen drei gusseisernen Skulpturen mit einem Durchmesser von jeweils 1,80 Metern von ihrer langjährigen Faszination für Seelilien inspirieren – einer Familie von Meerestieren, zu der Seesterne, Seeigel, Seegurken und ihre prähistorischen Vorfahren gehören. Jedes dieser Tiere besitzt übereinanderliegende, scheibenförmige Stiele mit einzigartigen Mustern. Ihre fünfzackige Symmetrie spiegelt sich in Lewis’ Skulpturen wider, mit sich wiederholenden Mustern, die westafrikanische Adinkra-Symbole aufgreifen. Die Güsse der Künstlerin reflektieren die Wanderungen dieser urzeitlichen Tiere, die weltweite Verbreitung ihrer versteinerten Körper und ihr Zusammenleben mit Schwarzen Menschen über und unter dem Atlantik sowie in der gesamten Diaspora.

Ruinen des Imperiums, 2022.
Kyyan Williams (geb. 1991 in Newark, New Jersey; lebt und arbeitet in New York City, New York) entwirft ein Bild der „Ruinen des Imperiums“, indem er ein ikonisches Symbol amerikanischer Werte, die Freiheitsstatue, neu interpretiert. Das von Thomas Crawford entworfene Bronzedenkmal steht seit 1863 auf der Kuppel des US-Kapitols in Washington, D.C. (ein Bauwerk, das unter Einsatz von Sklavenarbeit errichtet wurde). Die Oberfläche der Skulptur in der künstlerischen Bearbeitung lässt sie wie im Zustand der Zersetzung und des Verfalls erscheinen und „verkörpert so, wie amerikanische Freiheitsideale mit Unterdrückung verknüpft sind. Dabei greift der Künstler auf Science-Fiction-Motive zurück, die ein zerstörtes Monument wie die Freiheitsstatue als Symbol für eine durch Umweltzerstörung verwüstete Welt zeigen.“

Instalada en las orillas de este antiguo puerto marítimo, Schwarzer Atlantik (Atlántico Negro) Es ist eine im Ausland inspirierte Ausstellung, die den Ozean berührt und Afrika mit Amerika und Europa verbindet. Während dieser Zeit waren es transatlantische Menschen, die sich mit Kulturen, Identitäten und Zusammenschlüssen befassten, darunter fünf Künstler Schwarzer Atlantik (Atlántico Negro). Jeder hat ein einzigartiges kreatives Projekt für die Konstruktion neuer Identitäten und Zukunftsprojekte im Rahmen der Personalarbeit in der Handwerksbranche angelegt, ein Menü im Dialog mit den Herstellungsprozessen auf großer Stufe. Die Künstler haben ihre globale Geschichte als persönliche Erfahrung wiedergefunden, um diese klugen Köpfe zu schaffen, die in der Form und in den Materialien, die sie in ihren Themen gesammelt haben, genial sind.

Agali Awamu (Zusammengehörigkeit) (Agali Awamu [Unión]), 2022.
Leila Babirye (geb. 1985, Kampala, Uganda; lebte und arbeitete in Brooklyn, NY) präsentiert zwei neue Gruppen monumentaler Schulen aus weißem Holz. Die große Künstlerin ist mit einem Motorrad sehr figurativ und wiederholt sich immer wieder auf ihre Ausbildung in traditionellen afrikanischen Techniken. Babirye hat diese Figuren mitten in den Prozessen von Quemado, Brünieren und Dekorieren mit Metallen und Materialien verschönert, die nach dem Auftrag geliefert wurden. Die Art und Weise, wie sich die Rückstände in etwas Spektakuläres verwandeln, und das Ergebnis ist, dass sie ihre intrinsische Tapferkeit verspüren. Estas sculturas, a la que llama „reinas trans“, tienen por jeto „alzarse orgullosas cono faros de libertad que acogen a comunidad LGBTQ+ internacional“.

Golfstrom (La corriente del Golfo), 2022.
Hugh Hayden (geb. 1983, Dallas, TX; lebte und arbeitete in New York, NY) Idee der Ausstellung Schwarzer Atlantik (Atlántico Negro) Und ich habe auch zu ihr mit dieser surrealistischen Kunst beigetragen. Hayden kombinierte das Äußere eines Barco de Casco Trincado mit einem Inneren in Form eines Ballenholzes, um diese Einschiffung in den Orilla zu schaffen. Die Form und der Titel, Golfstrom (La corriente del Golfo)Es handelt sich dabei um eine Referenz und eine „Umkehrung“ eines Malers von Winslow Homer aus dem Jahr 1899, der eine Person des Negers allein und in einer extremen Situation mitten in der Mitte des März von einem Bote zerstört und von der Neuinterpretation von Kerry James Marshall im Jahr 2003 begleitet wurde, als dies geschah konvertiert en una de ocio. Hayden glaubte, dass seine Kultur „ein Barco und ein Dorf ist, mit denen er sich nicht auskennen kann, wenn er Logrado rettet, oder wenn er die Tragödie des Meeres sieht“.

Auf den Ellbogen (Sobre codos), 2022.
Dozie Kanu (geb. 1993, Houston, TX; lebte und arbeitete in Santarém, Portugal) Er schuf eine Sammlung surrealistischer Objekte, die Spannungen zwischen öffentlichen und privaten Aspekten abbauen konnten. Ein Empfänger mit schwarzer Flüssigkeit, der nach dem Ritual einer menschlichen Herzlichkeit und eines Diktators verspätet war Chaiselongue (im Allgemeinen mit der Psico-Analytik verbunden) Fundidos en Hormigón aluden a la introspección ya die tiefgreifenden Turbulenzen unbewusster Einzelpersonen und Kollektive. Die Texan Wire Wheels-Typen (auch „Codos“ oder „Swangas“ genannt) beziehen sich auf die lebendige Automobilkultur „SLAB“ aus Houston, der Geburtsstadt des Künstlers. Kanu beschreibt die Tradition der Personalisierung von Fahrzeugen wie folgt: „Eine freie Form und Spaß bei der Gestaltung unserer eigenen Materialien, die mir zur Verfügung standen, um kompliziert und stratifiziert zu sein, da die Beziehung, die die Negros-Städte später zwischen dem Eigentum und der Agentur suchten, zustande kam.“

Wir drückten unsere Bäuche zusammen und traten mit den Füßen, wir wurden zu etwas so Außerirdischem, dass wir keine natürlichen Feinde mehr hatten (Unimos nuestros vientres y agitamos nuestros pies, nos Convertimos en algo tan extraño que ya no teníamos depredadores naturales).), 2022
Wir sahen zu, wie sich die Menschheit entwickelte, als wir in den Meeresboden eintauchten, der Mond starrte auf uns herab und sagte uns, dass die Erde ein schweres Herz habe (Vimos evolucionar a la humanidad mientras nos absorbía el fundo del mar, la luna nos miró fijo y nos contó que la Tierra tenía un corazón acongojado), 2022
Wir fragten uns, ob die Engel uns verlassen hatten oder ob sie einfach ihre Gestalt verändert hatten, ohne es uns mitzuteilen. Jede Nacht verschwanden Kreaturen, jeden Morgen kamen Fremde (Nos preguntamos si los ángeles nos habían verlassenado, o si simplemente habían cambiado de forma sin avisarnos. Cada noche desaparecían criaturas, cada mañana llegaban extraños), 2022

Tau Lewis (geb. 1993, Toronto, Kanada; lebte und arbeitete in Brooklyn, NY) war eine Inspiration für die Schaffung dieser drei hierarchischen Kulturen aus zwei großen Metropolen auf ihrer „ewigen Faszination für die Krinoideos“, einer Familie von kreativen Yachthäfen, zu denen die Stars, die Erizos und die Pepinos im März gehören. als sus antepasados ​​prehistóricos. Das Fell dieser Tiere ist aus einer Reihe von Diskotheken mit einzigartigen Designs entstanden. Die Simetría in ihren fünf Punkten wurde in Lewis' Kulturen reflektiert, die immer wieder Gönner ausstellten, die die Symbolos der Adinkra des afrikanischen Kontinents inkorporierten. Mit diesen Fundstücken ist der Künstler „Reflexion über die Zerstörung dieser Tiere ihrer Vorfahren, die weltweite Verteilung ihrer verfeindeten Tiere und ihres Zusammenlebens mit schwarzen Menschen, vor allem und aus Verhandlungen mit dem Atlantischen Ozean und aus der ganzen Welt“.

Ruinen des Imperiums (Ruinas del imperio), 2022.
Kyyan Williams (geb. 1991, Newark, NJ; lebte und arbeitete in New York, NY) Er glaubte, es seien „Ruinen des Kaiserreichs“ mit der Neuinterpretation eines symbolischen Symbols für die wertvollsten Staaten: die Freiheitsstatue des Kapitols. Das von Thomas Crawford entworfene Bronzedenkmal stammt aus dem Jahr 1863 in Washington D. C., über der Kuppel des US-Kapitols (ein Bauwerk, das mit einem Schlüsselbund gebaut wurde). Auf der Oberfläche und in der zweiten Hälfte der Version von Williams begann die Schule in einem Zustand der Auflösung und des Verfalls, „Sie spiegelten die Art und Weise wider, dass die idealen Staaten der Freiheit sich irgendwann hinlegten, und bis dahin wurde ich von einem Tropo inspiriert, den ich in der Wissenschaft oft nutzte.“ Fiktion: Ein Denkmal wie die Freiheitsstatue von New York wurde als Symbol einer durch die Umweltzerstörung zerstörten Welt zerstört.

Leila Babirye (geboren 1985 in Kampala, Uganda) ist eine Künstlerin und Aktivistin, die in Brooklyn, New York, lebt und arbeitet. Studierte Kunst an der Universidad de Makerere in Kampala, Uganda (2007–2010), und nahm 2015 an der Residencia Artística de Fire Island teil. Die Künstlerin kam 2015 nach ihrem Geburtsjahr in Uganda nach New York, wo sie in einer lokalen Zeitschrift als Homosexueller öffentlich geäußert wurde. Im ersten Jahr 2018 empfing Babirye Asilo mit der Zustimmung des Comité de Servicios Africanos y del Proyecto Antiviolencia de Nueva York. In ihrer multidisziplinären Praxis besteht Babirye aus Elementen wie Holz, Keramik, gemischten Materialien und Gemälden, und sie verwandelt sich in figurative Sujets, die Fragen im Kampf gegen die Identität, die Sexualität und den Verlust der Menschheit aufgeben. Babirye erforscht die Vielfalt der LGBTQI-Identitäten und verleiht jedem ein Gefühl majestätischer Würde und eine schöne Ausdruckskraft und Greifbarkeit. Seine jüngsten Ausstellungen werden angezeigt Ebika Bya ba Kuchu mu Buganda (Clanes Kuchu de Buganda) in Gordon Robichaux, New York und Los Angeles, und in der Stephen Friedman Gallery, London;  Flug: Eine kollektive Geschichte (Vuelo: una historia colectiva) im Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, New York (bajo la curaduría de Serubiri Moses); Steinmauer 50 im Contemporary Arts Museum (CAMH), Houston, Texas; Im Sokrates-Skulpturenpark sind dort zwei monumentale Skulpturen zu sehen.

Hugh Hayden (geb. 1983, Dallas, Texas) war der Ansicht, dass die Antropomorfizierung der natürlichen Welt ein viszeraler Ort sei, um den menschlichen Zustand zu erforschen. Mit der Arbeit als mittelmäßiger Direktor hat Hayden in der Mitte eines Auswahlprozesses seine persönlichen Ziele wiedererlangt, war begeistert und erfreut über die Wahrnehmung, die wir von unseren Mitmenschen und dem Publikum verspüren. Sie arbeiten mit verschiedenen geladenen Objekten aus der Geschichte mehrerer Großstädte, wie z. B. verlorenen Kindern, einheimischen Pflanzen in den Gemeinden, Baumstämmen oder afrikanischen Kulturen Souvenir, Der Künstler kombinierte verschiedene Arten und erstellte neue Compuestas, die auch ihre komplexen ursprünglichen Kulturen reflektieren. Hayden lebt und arbeitet in New York; Ich habe einen Meister der Schönen Künste an der Universidad de Columbia und eine Lizenz für Architektur an der Universidad Cornell. Unter den letzten Einzelausstellungen finden Sie Folgendes: Huey, Lisson Gallery, Nueva York, 2021; Boogey Men (Los hombres del saco)Institut für zeitgenössische Kunst, Miami, 2021; y Brier Patch (Matorral de espinas), von der Madison Square Park Conservancy, New York, 2022.

Dozie Kanu (geb. 1993, Houston, Texas) wurde in Santarém, Portugal geboren. Ihre Untersuchung konzentrierte sich auf ein Bildungskonzept, das bei der Herstellung von Objekten eine Spannung zwischen den Benutzern aufwies, die sie täglich, in ihrer Geschichte, in ihren Erinnerungen und in ihrem Material aufbrachten. Die visuelle Sprache von Kanu war eine Kritik an den Kanonen der Geschichte der abendländischen Kunst, mit Zweckmäßigkeit und Eleganz, enthüllte die Objekte der Erzählung im Zuge des Kolonialismus und der Identität, die in ihrem diasporischen Zustand gefangen waren. Hier finden Sie die ausgewählten Ausstellungen: Midtown (Centro de la ciudad), organisiert vom Salon 94 und der Maccarone Gallery, Lever House, New York, 2017; FUNKTION (FUNCIÓN), en The Studio Museum in Harlem, Nueva York, 2019; Transformer: A Rebirth of Wonder (Transformador: el renacer del asombro), de 180 The Strand, London, 2019; Rückstoß (Retroceso) (mit Cudelice Brazelton IV), in International Waters, Brooklyn, New York, 2020; Owe Deed, One Deep (Es muss ein Akt, ein Tiefgang sein), en Project Native Informant, London, 2020; Enzo Mari, bajo curaduría de Hans Ulrich Obrist, auf der Triennale Mailand, 2020; Crack Up – Crack Down (Aufstieg und Revolution), im Ujazdowski Castle Center for Contemporary Art, Varsovia, 2020; Wertordnung [gentrify.pt] (orden de valor [gentrificar.pt]), in der Galeria Madragoa, Lissabon, Portugal, 2021; unterstützen und ignorieren (apuntalar e ignorar), en Manual Arts, Los Ángeles, Kalifornien, 2021.

Tau Lewis (geb. 1993, Toronto, Kanada) lebte und arbeitete in New York, NY. Er wurde in Museen und Institutionen wie der National Gallery of Canada, Ottawa, ON ausgestellt; das MoMA PS1 in New York, NY; das New Museum in New York, NY; el Hepworth Wakefield, Wakefield, Inglaterra; las College Art Galleries, Saskatoon, SK; el Agnes Etherington Art Centre, Kingston, ON; la Art Gallery of Mississauga, Mississauga, ON; y la Art Gallery der York University, Toronto, ON. Die Obra von Lewis wurde in die permanenten Sammlungen des Metropolitan Museum of Art, Library Collection, New York, NY aufgenommen; de la National Gallery of Canada, Ottawa, ON; de Library and Archives Canada, Ottawa, ON; del Institute of Contemporary Art, Miami, FL; del Grinnell College Museum of Art, Grinnell, IA; del Hammer Museum, Los Ángeles, Kalifornien; y de Prospect 5, Nueva Orleans, LA. Demnächst präsentiert eine Einzelausstellung im Haus der Kunst, München, Deutschland.

Kyyan Williams (geb. 1991, Newark, NJ) widmete sich den visuellen Künsten in der Schreibkunst, nachdem er als Künstler der performativen Kunst, der Bildung, des Videos und der 2D-Technik gearbeitet hatte. Während er sich auf einen praktischen Prozess konzentrierte, interessierte sich Williams für die Materialien, die Methoden der Wissenschaft und die herkömmlichen Methoden, die er an die historischen, politischen und ökologischen Denkweisen erinnern kann, die er dann an seine Kunden und Kollektive richtet. Williams erhielt eine Lizenz für Bellas Artes mit Ehren an der Universidad de Stanford und einen Meister für Artes Visuales an der Universidad de Columbia. Zu sehen waren das SculptureCenter, das Jewish Museum, das Brooklyn Museum, der Socrates Sculpture Park, Recess Art und The Shed. Zu Gast waren Charlas und Künstlerkonferenzen im Hirshhorn Museum, im Studio Museum in Harlem, an der Universidad de Princeton, der Universidad de Stanford, der Universidad Estatal de Portland, dem Guggenheim und dem Pratt Institute. Die Obra de Williams trifft sich mit privaten und öffentlichen Sammlungen wie dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.