Cory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, Sue de Beer, Mary Reid Kelley und Patrick Kelley, Heather Phillipson, Martin Syms, Meriem Bennani, Kate Cooper, Cécile B. Evans, GCC, Agnieszka Polen, Tabor Robak, Jacolby Satterwhite, Hayal Pozanti, Lucas Blalock, Awol Erizku, Ed Fornieles, David Horwitz, Britta Thie, Hannah Whitaker, Casey Jane Ellison Werbeunterbrechung

Unsere Welt wird zunehmend von der Darstellung visueller Informationen geprägt. Digitale Werbung ist nahtlos in den öffentlichen und privaten Bereich integriert, während Kommunikationsformen – von sozialen Medien bis hin zum Smartphone – unsere Wahrnehmung der virtuellen und physischen Welt verändert haben. WerbepauseDie stadtweite Ausstellung präsentiert 23 Künstler, die plattformspezifische Werbeunterbrechungen auf einigen der prominentesten und technisch fortschrittlichsten digitalen Bildschirme New Yorks geschaffen haben. Dazu gehören eine große Werbetafel am Times Square; „Oculus“, ein 360-Grad-LED-Leuchtschild im Barclays Center in Prospect Heights; 19 digitale Bildschirme im Westfield World Trade Center in Lower Manhattan; Hunderte von LinkNYC-Kiosken in allen fünf Stadtbezirken; und PublicArtFund.org, wo die Werke als Pop-up-Werbung eingebunden werden.

Werbepause lässt sich von der wegweisenden Ausstellungsreihe der Organisation inspirieren Botschaften an die Öffentlichkeit, das von 1982 bis 1990 auf der 800 Quadratmeter großen, animierten Spectacolor-Leuchttafel am Times Square lief. Ähnlich wie bei anderen Projekten störte es den täglichen Werbefluss, spiegelte aber die heutige visuelle Sättigung digitaler Bildschirme wider. Werbepause Sie repräsentieren eine neue Generation von Medienschaffenden, die im digitalen Bereich arbeiten und Interventionen schaffen, die unsere heutige Welt widerspiegeln. Die vielfältigen Auftragsarbeiten reflektieren und reagieren auf aktuelle Themen: die sich wandelnden Vorstellungen von Online- und Offline-Welt und der Verbreitung von Bildern sowie die Allgegenwärtigkeit der Werbung und ihre Macht, die politischen, sozialen und persönlichen Bereiche der Gesellschaft zu beeinflussen.

Werbepause is Public Art FundEs handelt sich um die bisher größte Gruppenausstellung der Galerie und gleichzeitig um die erste Ausstellung, bei der Werke aus allen fünf Stadtbezirken gleichzeitig präsentiert werden.

Ausgewählte Werke können Sie im Google Cultural Institute ansehen. Klicken Sie hier.

Werbepause wird kuratiert von Public Art Fund Die stellvertretenden Kuratoren Emma Enderby und Daniel S. Palmer.

AUSGEWÄHLTE KÜNSTLER & WEBSITES:
Times SquareCory Arcangel, Korakrit Arunanondchai, Brian Bress, Sue de Beer, Mary Reid Kelley und Patrick Kelley, Heather Phillipson und Martine Syms

Das „Oculus“ des Barclays Centers: Meriem Bennani, Kate Cooper, Cécile B. Evans, GCC, Agnieszka Polska, Tabor Robak und Jacolby Satterwhite

Westfield World Trade CenterHayal Pozanti

LinkNYCs Link-KioskeLucas Blalock, Antoine Catala und Gabriel Kahan, Awol Erizku, Ed Fornieles, David Horvitz, Britta Thie und Hannah Whitaker

PublicArtFund.orgCasey Jane Ellison

BESUCH DER AUSSTELLUNG
Werbepause war vom 6. Februar bis 5. März 2017 zu sehen.

Die Werbetafel am Times Square befand sich an der südöstlichen Ecke der 47. Straße und der 7. Avenue. Alle 5 bis 7 Minuten wurden 15-sekündige Videos gezeigt, jeden Tag der Woche von einem anderen Künstler. (Siehe Zeitplan unten.)

Das „Oculus“ im Barclays Center befindet sich in der Atlantic Avenue 620, an der Ecke Atlantic und Flatbush Avenue in Brooklyn. Täglich von 6:00 Uhr bis Mitternacht wurden in den letzten 45 Sekunden jeder halben Stunde (6:59:15–6:59:45, 7:29:15–7:29:45, 7:59:15–7:59:45 usw.) 30-sekündige Videos gezeigt, wobei jeden Wochentag ein anderer Künstler präsentiert wurde.

Das Westfield World Trade Center befindet sich in der Greenwich Street 185 in Manhattan, im World Trade Center-Komplex. Hayal Pozantis 10-sekündiges Video wurde alle 100 Sekunden gleichzeitig auf allen 19 Bildschirmen des Komplexes gezeigt.

Die fünf wichtigsten Kreuzungen der Link-Kioske von LinkNYC, an denen die Kunstwerke täglich zwischen 5:00 und 7:00 Uhr besonders häufig zu sehen waren, sind: 86th St & 3rd Ave; 14th St & 8th Ave; Bowery zwischen Houston und Delancey Sts; Frederick Douglas Blvd (zwischen 123rd und 125th Sts); und 34th St & 6th Ave (Herald Square). Die Kunstwerke wurden außerdem den ganzen Tag über im gesamten LinkNYC-Netzwerk in allen fünf Stadtbezirken ausgestellt, und jeden Tag der Woche wurde ein anderer Künstler präsentiert. (Siehe Zeitplan unten.)

PublicArtFund.org präsentiert rund um die Uhr Werke von Casey Jane Ellison sowie die übrigen digitalen Videos, Bilder und die Ausstellungsdokumentation.

Cory Arcangel (Sonntags / Times Square)
(geb. 1978 in Buffalo, NY; lebt und arbeitet in New York City, NY, und Stavanger, Norwegen)

Arcangel Surfware Times Square Video, 2017.
HD-Video
Mit freundlicher Genehmigung von Arcangel Surfware

Cory Arcangels vielseitiger künstlerischer Ansatz manifestiert sich in Musik, Film, Malerei, Performance, Verlagswesen, Programmierung und Videospielmanipulationen sowie in der Aneignung und Bewahrung digitaler Materialien. Sein Interesse an der Sprache und Kultur des Internets führte zur Gründung von Arcangel Surfware, einer Bekleidungs- und Lifestyle-Marke mit angeschlossenem Verlag, die in Zusammenarbeit mit dem globalen Merchandising-Riesen The Bravado Group, einem Tochterunternehmen der Universal Music Group, entstanden ist. Dieser Werbespot mit seinen kuscheligen Socken und der Marken-Jogginghose vermittelt eine klare Botschaft: Arcangel Surfware-Produkte bieten alles, was man braucht, um den ganzen Tag im Bett zu entspannen und komfortabel im Internet zu surfen.

Korakrit Arunanondchai (Donnerstags / Times Square)
(geb. 1986 in Bangkok, Thailand; lebt und arbeitet in New York City, NY, und Bangkok)

Was trennt uns von allem, was jemals auf dieser Welt existiert hat?, 2017.
HD-Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, CLEARING New York/Brüssel und Carlos/Ishikawa London

Den Schwindel dieser Welt zu sehen und in Leichtigkeit aufzulösen, 2017.
HD-Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, CLEARING New York/Brüssel und Carlos/Ishikawa London

Flüstere mir den Refrain für die neue Welt zu, 2017.
HD-Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, CLEARING New York/Brüssel und Carlos/Ishikawa London

Korakrit Arunanondchai kombiniert Stile und Referenzen aus der thailändischen Popkultur mit kunsthistorischen Kanons und schafft Installationen, Videos und Performances, die die Auswirkungen des Imperialismus, des Tourismus und die Idee der Authentizität hinterfragen.

Für Times Square schuf Arunanondchai drei Videos, die entweder nacheinander oder unabhängig voneinander angesehen werden können. Die Werke entführen uns poetisch auf eine Reise zwischen Thailand und New York und zeigen kurze Einblicke in das Leben der Großeltern des Künstlers sowie in die Proteste nach den Wahlen. Die Gegensätze in den Videos – Jugend und Alter, Vergangenheit und Gegenwart, Hoffnung und Verlust, Glück und Schmerz – erinnern uns eindringlich an die komplexe, tragische und zugleich schöne Natur des Lebens.

Meriem Bennani (Samstags / Barclays Center)
(geb. 1988 in Rabat, Marokko; lebt und arbeitet in Brooklyn, New York)

Dein Jahr von Fardaous Funjab, 2017.
Digitales Video
Mit Aisha Bint Gladys und Nazia Malik; Make-up von Yasmeen Ibrahim; zusätzliche 3D-Modellierung von Salim Bayri; Grafikdesign von Ghazaal Vodjani. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und SIGNAL.

Meriem Bennanis neues Kunstwerk für die „Oculus“-Leinwand im Barclays Center ist eine Werbung für eine fiktive Hijab-Kollektion, die ihre „Fardaous Funjab“-Videos erweitert. Diese Serie, die von einer erfundenen Unternehmerin – einer „avantgardistischen Hijab-Designerin“ – handelt, thematisiert die kulturelle Bedeutung des Kopftuchs und hinterfragt westliche Vorstellungen von islamischer Kleidung. Ihre spezielle Werbung „Your Year“ präsentiert einen inklusiven, multiethnischen Kalender, der islamische und säkulare Feiertage vereint. Bennanis Feier des Hijabs und ihre Botschaft der Toleranz münden in einen geistreichen Gesellschaftskommentar darüber, wie wir unsere Identität darstellen. Für dieses Projekt arbeitete sie mit Hijab-Aktivistinnen als Models und Beraterinnen zusammen, um zu erforschen, wie Kunst und Mode dazu beitragen können, kulturelle Vorurteile zu überwinden und Menschen zusammenzubringen.

Lucas Blalock (Sonntags / LinkNYC)
(geb. 1978 in Asheville, North Carolina; lebt und arbeitet in Brooklyn, New York)

Diese neue Situation, 2017.
Serie von vier digitalen Bildern
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Ramiken Crucible

Lucas Blalocks ungewöhnliche Fotografien legen die Mechanismen digitaler Bildbearbeitung schonungslos offen. Er enthüllt diese Techniken, die üblicherweise verborgen bleiben, um in der Werbung überzeugende, perfektionierte Körper zu erschaffen. Indem er die Unbeholfenheit seiner Bearbeitungen beibehält und uns eine Reihe von schlaffen Hotdogs präsentiert, liefert der Künstler eine Art Slapstick-Parodie auf die perfekte Werbung und persifliert das gesamte Medium mit Pathos und Verspieltheit.

Brian Bress (Dienstags / Times Square)
(geb. 1975 in Norfolk, Virginia; lebt und arbeitet in Los Angeles, Kalifornien)

Konsonanz und Dissonanz in vier Teilen für den Times Square, 2017.
HD-Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Cherry and Martin, Los Angeles

Brian Bress' drei Videos zeigen vier schwer fassbare Figuren, die in einem Zustand feiner Spannung balancieren. Ihre subtilen Bewegungen lassen sie mal in den Vordergrund treten, mal mit dem markanten grafischen Hintergrund verschmelzen. Bress' inszenierte Landschaften und gesichtslosen Charaktere verbinden Humor und kunsthistorische Bezüge zu einem rätselhaften und subtilen Tableau vivant mit starker metaphorischer Aussagekraft.

Antoine Catala und Gabriel Kahan (Montags / Link NYC)
(Antoine Catala: geb. 1975 in Toulouse, Frankreich, lebt und arbeitet in New York City, NY)
(Gabriel Kahan: geb. 1980 in Mexiko-Stadt, Mexiko; lebt und arbeitet in Los Angeles, Kalifornien)

Understand.nyc, 2017.
HTML-Website, gemischte Medien
Programmierung von Nicholas Woodward; Beiträge von Freiwilligen
Mit freundlicher Genehmigung von Antoine Catala und 47 Canal, New York; Gabriel Kahan und dem MIT-Programm für Kunst, Kultur und Technologie

Understand.nyc ist eine Zusammenarbeit zwischen dem Künstler Antoine Catala und dem MIT-Forscher Gabriel Kahan. Für die Laufzeit von WerbeunterbrechungDas Duo nutzte das stadtweite Netzwerk der LinkNYC-Kioske, um die Öffentlichkeit zu einem zweitägigen Workshop einzuladen. Ihr Ziel war es, über ihren unmittelbaren Bekanntenkreis hinaus eine vielfältige Gruppe von Freiwilligen zu finden, die gemeinsam eine allen Teilnehmenden gemeinsame Situation erarbeiten sollten. In mehreren Diskussionen wählte die Gruppe die Frage „Was ist Liebe?“ und identifizierte sechs Wirkungszusammenhänge: „Realität“, „Phantomliebe“, „Unmöglich“, „Gelebte Liebe“, „Der Spiegel“ und „Entkopplung“. Durch gemeinsames Gestalten wurden diese Wirkungszusammenhänge anschließend als physische Objekte, sogenannte „Kacheln“, visualisiert, eingescannt und als 3D-Objekte dargestellt. http://www.understand.nyc/Dort konnten Besucher mit den Kacheln interagieren. Sie wurden auch einen Tag nach Ausstellungsende im LinkNYC-Kiosknetzwerk gezeigt.

Das Projekt und der Workshop stellen eine Methodik dar – Teil von Kahans fortlaufender Forschung, die darauf abzielt, Gemeinsamkeiten zu finden, in einer Welt, in der Polarität, Angst und Unsicherheit allgegenwärtiger sind als je zuvor – und bilden ein einfaches, aber wirkungsvolles Werkzeug, um unser alltägliches Leben besser zu verstehen.

Kate Cooper (Montags / Barclays Center)
(geb. 1984 in Liverpool, England; lebt und arbeitet in London, England)

Wir brauchen einen Zufluchtsort, 2017.
Digitales Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Kate Cooper manipuliert digital Bilder von Frauen, um die Ästhetik der Werbung und die Darstellung von Weiblichkeit zu hinterfragen. Wir brauchen einen ZufluchtsortCooper verwendet computergenerierte (CG) Figuren als Protagonistinnen, um deren Potenzial und Darstellung als autonome Wesen mit eigener Logik zu untersuchen. Während typische CG-Körper stets makellos sind, wirken die Frauen hier „gebrochen“ – was die gängige Rolle, die sie als perfekte Verkörperung des weiblichen Körpers einnehmen, infrage stellt. Das Ergebnis ist ein Werk, das im Widerspruch zu seinem eigentlichen Zweck steht, da die Figuren sich ihrer vorgegebenen Rolle entziehen.

Sue de Beer (Samstags / Times Square)
(geb. 1973 in Tarrytown, NY; lebt und arbeitet in New York City, NY)

Wenn sie morgens kommen 1, 2017.
HD-Video
Mit Werken von Arianna Gil und Purp Perez Brujas. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und der Marianne Boesky Gallery.

Wenn sie morgens kommen 2, 2017.
HD-Video
Mit Werken von Arianna Gil und Purp Perez Brujas. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und der Marianne Boesky Gallery.

Wenn sie morgens kommen 3, 2017.
HD-Video
Mit Werken von Arianna Gil und Purp Perez Brujas. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und der Marianne Boesky Gallery.

Sue de Beers Filme erkunden soziale Probleme der Gegenwartskultur mit einem einzigartigen visuellen Stil aus farbigem Licht, prismatischen Doppelungen und engen Bildausschnitten, die einen fesselnden filmischen Reiz erzeugen. Ihre Beiträge zu dieser Ausstellung zeigen zwei junge Skateboarderinnen der feministischen Skateboard-Crew „Brujas“ aus der Bronx, die ihre Interventionen in der Stadt und der urbanen Straßenkultur als zutiefst politischen Akt verstehen. Ihre starke Präsenz auf einer Werbefläche im Stadtzentrum, Bilder ihrer politischen Vorbilder und de Beers abschließender Appell „Nicht trauern, sondern organisieren!“ vermitteln eine kraftvolle Botschaft über den radikalen Charakter ihrer Aktionen.

Casey Jane Ellison (Täglich / PublicArtFund.org/Werbepause)
(geb. 1988 in Los Angeles, Kalifornien; lebt und arbeitet in Los Angeles, Kalifornien)

Werbeunterbrechung mit Casey Jane Ellison, 2017.
Video mit Ton
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Casey Jane Ellison ist Stand-up-Comedian, Künstlerin und Autorin. In ihren Performance- und Videoarbeiten thematisiert sie auf humorvolle Weise Fernsehen, Prominentenkultur, Feminismus, Identitätspolitik und Kunstgeschichte. Angesichts der Allgegenwärtigkeit von Online-Werbung und -Kommunikation… Public Art Fund Ellison wurde eingeladen, eine Reihe von Pop-up-„Werbeanzeigen“ für die Homepage der Ausstellung zu entwickeln. Ellison schuf eine Episode – komplett mit Werbeunterbrechungen, in denen die Kunstwerke der Ausstellung als Werbespots gezeigt werden –, in der sie über die Gefahren von Brot und Faschismus sinniert.

Awol Erizku (Donnerstags / LinkNYC)
(geb. 1988, Addis Abeba, Äthiopien; lebt und arbeitet in New York City, NY und Los Angeles, CA)

Hündinnen brauen, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Night Gallery, Los Angeles

ohne Titel (Studie einer Hand, die eine Rose hält), 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Night Gallery, Los Angeles

Vorspiel zu Serendipität In Zusammenarbeit mit Sarah Lineberger, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Night Gallery, Los Angeles

Tinashe, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Night Gallery, Los Angeles

Awol Erizkus Fotografien konzentrieren sich darauf, wie sich People of Color selbst darstellen und wie sie in der Kunstwelt, der Werbung und den Medien porträtiert werden. Die Tableaus und Porträts des Künstlers beziehen sich auf historische Bildsprache, greifen Elemente der Haute Couture auf, treten in Dialog mit der Straßenkultur und erinnern an die Kunst der alten Meister. Seine Werkreihe für Werbepause Diese vielfältigen Bezüge und Stile sowie erkennbare Motive verschmelzen mit der verführerischen Bildsprache zeitgenössischer Blumenstillleben zu eindrucksvollen Fotografien, die uns dazu anregen, die Macht der Bilder, die heute in der Welt allgegenwärtig sind, kritisch zu hinterfragen.

Cécile B. Evans (Dienstags / Barclays Center)
(geb. 1983 in Cleveland, Ohio; lebt und arbeitet in London, England)

Eine Erinnerung kann leben, 2017.
Video, Farbe, kein Ton
3D-Modellierung von Hossein Diba; zusätzliche Renderings von Andres Parody und Tom Kemp; Animation und Compositing von Otavio Lima und Tom Kemp. Original-Charakteranimation von Was das Herz will, 2016, im gemeinsamen Auftrag der 9. Berlin Biennale, De Hallen Frans Hals Museum, Kunsthalle Winterthur und Kunsthalle Aarhus.
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie Emanuel Layr, Wien

Eine Erinnerung kann leben ist die Ursprungsgeschichte von Was das Herz will, Cécile B. Evans' Videoinstallation aus dem Jahr 2016, die im Auftrag der 9. Berlin Biennale entstand. Was das Herz will erforscht, was es in der Zukunft bedeuten könnte, Mensch zu sein, und was einen „Menschen“ ausmacht. HYPER, der Erzähler von Was das Herz willSie präsentiert sich als neues System, führt die Zuschauer in eine zukünftige Zeit namens „nach k“ ein und schlägt eine Lösung für den Zusammenbruch des WWW vor. Eine Erinnerung kann lebenHYPER präsentiert eine öffentliche Bekanntmachung für einen Neuanfang: eine leere, editierbare Dokumentseite, auf der Benutzer ihre Gedanken sammeln und neue Gespräche beginnen können, frei von komplizierten Benutzeroberflächen und Zeitleisten.

Ed Fornieles (Dienstags / LinkNYC)
(geb. 1983 in Petersfield, England; lebt und arbeitet in Montreal, Kanada)

Bist du ein Pepe?, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Meme-Kriege, Daddy 1, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Meme-Kriege, Daddy 2, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Bist du ein Wojak?, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Geplapper, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Geplapper, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Gesindel, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Jabbeln, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Von Installationen bis hin zu Sitcoms auf Facebook verknüpft Ed Fornieles Online- und Offline-Welten und nutzt Avatare, Datenfeeds und Nachrichtentrends, um unsere postdigitale Realität zu erweitern. Für LinkNYC hat Fornieles zwei Werkreihen geschaffen, die Diskussionen anstoßen sollen, welche politische „Blasen“ hinterfragen.

Die erste Bilderserie, die die erste Hälfte der Ausstellung umfasst, untersucht die Vereinnahmung von Memes als Symbole politischer Ideologien und die von ihnen gebildeten Lager. Die beiden von Fornieles verwendeten Memes sind der umstrittene Frosch Pepe und der „Feels Guy“ Wojak. Obwohl Pepe 2008 unschuldig entstanden war, wurde sein Bild Anfang 2016 von der Alt-Right vereinnahmt und zum Synonym für die Bewegung. Wojak – der Gefühle wie Melancholie und Einsamkeit verkörpert – tauchte an der Seite von Pepe als dessen Opfer verschiedener Verbrechen auf.

Die zweite Bilderserie –Geschwätz, Geplapper, Geschwätz, Geschwätz –Die Künstlerin kündigt eine „Reihe politischer Gespräche“ an, die sie nach der Ausstellung starten möchte, um den Dialog über politische Spaltungen weiter anzuregen. Jedes Werk verweist auf eine Position im politischen Spektrum, von radikal links bis rechts.

Fornieles' Werke für diese Ausstellung verweisen auf die Gegenwart und ihre historischen Bezüge, in der Ideologien durch Codes, Symbole, Personen und Sprache repräsentiert werden. Das Internet bietet heute jedoch die optimale Plattform für deren Verbreitung und Aneignung.

GCC (Donnerstags / Barclays Center)
Nanu Al-Hamad (geb. 1987 in Kuwait-Stadt, Kuwait; lebt in New York City, NY), Khalid Al Gharaballi (geb. 1981 in Kuwait-Stadt, Kuwait; lebt in Kuwait-Stadt, Kuwait), Abdullah Al-Mutairi (geb. 1990 in Kuwait-Stadt, Kuwait; lebt in New York City, NY), Fatima Al Qadiri (geb. 1981 in Dakar, Senegal; lebt in New York City, NY), Monira Al Qadiri (geb. 1983 in Dakar, Senegal; lebt in Beirut, Libanon), Aziz Al Qatami (geb. 1979 in Kuwait-Stadt, Kuwait; lebt in Kuwait-Stadt, Kuwait), Barrak Alzaid (geb. 1985 in Kuwait-Stadt, Kuwait; lebt in Dubai, Vereinigte Arabische Emirate), Amal Khalaf (geb. 1982 in Singapur; lebt in London, England)

Meine Vision, 2017.
Digitales Video
Mit freundlicher Genehmigung der Künstler

Das 2013 in der VIP-Lounge der Art Dubai gegründete Künstlerkollektiv GCC hat sich zum Ziel gesetzt, die zeitgenössische Kultur der Golfregion zu erforschen. Auf der „Oculus“-Plattform des Barclays Centers werden digitale Bilder von Ölgemälden der GCC-Mitglieder gezeigt, die die Rolle des „Baba“ – des Vaters – einnehmen, ein Titel, der häufig von politischen Führern im Nahen Osten verwendet wird. Ihre gemalten Augen spiegeln Variationen des Blicks wider, der in traditionellen Porträts von Staatsoberhäuptern zu finden ist – vom visionären Führer bis zum strafenden Blick eines Diktators. Der Blick des großen Baba ist stets wachsam.

David Horwitz (Mittwochs / LinkNYC)
(geb. 1981 in Los Angeles, Kalifornien; lebt und arbeitet in Los Angeles, Kalifornien)

Für Kiyoko, von Amache, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Chert Lüdde, Berlin

David Horvitz arbeitet medienübergreifend und nutzt dabei oft poetische Ansätze, um Bewegungsmuster mithilfe von Zirkulationssystemen zu analysieren. Er sammelt und verbreitet anschließend Bilder und Objekte auf verschiedenen Wegen, vom Internet bis hin zu Bibliotheken.

An den LinkNYC-Kiosken zeigt Horvitz ein einfaches Bild des Nachthimmels mit einem kurzen Text, der sich direkt an den Betrachter wendet – eine Anspielung auf Werbeslogans. Doch die Worte sind keine harmlose Aussage, sondern verweisen eindringlich auf seine Großmutter, die in einem Internierungslager in den Vereinigten Staaten inhaftiert war. Diese Lager waren nach dem japanischen Angriff auf Pearl Harbor 1941 vier Jahre lang in Betrieb und hielten 110,000 bis 120,000 japanischstämmige Amerikaner fest. Sie folgten zahlreichen Ausschlussgesetzen, die faktisch jegliche Einwanderung aus asiatischen Ländern, darunter Japan und China, untersagten. Das Werk ist eine persönliche und zugleich universelle, aktuelle und elegische Mahnung, die Vergangenheit nicht zu vergessen, insbesondere bei der Gestaltung der Zukunft.

Mary Reid Kelley und Patrick Kelley (Montags / Times Square)
(Mary Reid Kelley: geb. 1979 in Greenville, South Carolina; lebt und arbeitet in Olivebridge, New York)
(Patrick Kelley: geb. 1969 in Bloomington, Minnesota; lebt und arbeitet in Olivebridge, New York)

Kretisches Fleisch, 2016.
HD-Video, kein Ton, bearbeitet von Swinburnes Pasiphae (2014)
Mit freundlicher Genehmigung der Künstler, der Pilar Corrias Gallery und Fredericks & Freiser

Mary Reid Kelley und Patrick Kelley erstellen Schwarz-Weiß-Videos voller historischer Bezüge, die die Situation der Frau im Laufe der Geschichte beleuchten, indem sie wortgewandte Poesie, fiktive Charaktere und utopische Welten miteinander verbinden. Ihr neues Video trägt den Titel Kretisches Fleisch, adaptiert aus ihrer Arbeit von 2014 Swinburnes PasiphaeDas Video verbindet klassische Antike mit Popkultur. Im Kontext des Times Square gezeigt, wird es zu einer Satire auf die Werbung und beleuchtet die Eigenheiten des Begehrens.

Heather Phillipson (Mittwochs / Times Square)
(geb. 1978 in London, England; lebt und arbeitet in London, England)

WIE HOCH IST DER SCHADEN?, 2017.
HD-Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Heather Phillipsons Videos und skulpturale Installationen sind ein Strom von Bildern, Geräuschen, Farben und Worten, die zusammen komplexe poetische Exkurse über unsere Gegenwart bilden. WIE HOCH IST DER SCHADEN? Das Werk vermittelt die Energie und Emotion des politischen Protests. Es vereint Darstellungen der Zerstörung – gehäutete Tiere, fliegendes Geld, zerrissene Erde, blutender Himmel, Drohnen, Krieg, Gänsehaut, Hühnerknochen und sich drehende Nieren – und spiegelt so einen chaotischen, dringlichen Moment auf dem Times Square wider.

Agnieszka Polen (Sonntags / Barclays Center)
(geb. 1985 in Lublin, Polen; lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland)

Die weinende Sonne, 2017.
Digitales Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Galerie Zak | Branicka, Berlin

Agnieszka Polskas Videos basieren oft auf gefundenem Material, von Archivfotografien bis hin zu Illustrationen, das sie durch Animation und Collage bearbeitet. Ihre Themen greifen auf vergangene Ereignisse und Personen zurück, um zu zeigen, wie Geschichte fiktionalisiert, ausgelöscht oder umgeschrieben werden kann.

Die weinende Sonne ist ein Animationsfilm, der von dem Kindergedicht inspiriert wurde Was die Sonne gesehen hatDas Gedicht stammt von Maria Konopnicka, einer einflussreichen polnischen Dichterin des Positivismus im 19. Jahrhundert, Übersetzerin, Journalistin und progressiven Aktivistin für Frauenrechte und die Unabhängigkeit Polens. Zu den wiederkehrenden Themen ihres Werks gehören die Armut und Unterdrückung der Bauernschaft. Dieses Gedicht erzählt auf kindliche Weise vom Alltag, den Ritualen und Aktivitäten auf dem Land, betrachtet von der Sonne am Himmel. In Polskas Video beginnt die Sonne, obwohl hell und kindlich, zu weinen und wird so zu einer eindringlichen Metapher für den Schmerz des passiven Betrachters, der nicht handeln kann.

Hayal Pozanti (Daily / Westfield World Trade Center)
(geb. 1983 in Istanbul, Türkei; lebt und arbeitet in Queens, New York)

Unnachgiebige Zärtlichkeit, 2017.
19 einkanalige Videoanimationen
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Jessica Silverman Gallery

Im Rahmen ihrer künstlerischen Praxis hat Hayal Pozanti ein eigenes, rätselhaftes Alphabet abstrakter Formen entwickelt, das sie in farbenfrohen Gemälden und digitalen Bildern zum Ausdruck bringt. Ihre Variationen dieser 31 Zeichen verdeutlichen die Rolle von Technologie und Sprache in der Kultur und wie Informationen in unserem datengetriebenen digitalen Zeitalter vermittelt und aufgenommen werden. Ihre Kombinationen markieren die Unterschiede zwischen Mensch und künstlicher Intelligenz und betonen so den Wert von Emotionen und die Gemeinsamkeiten, die uns als Spezies verbinden. Unnachgiebige Zärtlichkeit, im Auftrag von Public Art Fund Für die 19 digitalen Bildschirme des Westfield World Trade Centers erscheint ihr Werk im Werbezyklus als markanter Kontrast zwischen vertrauten und unbekannten Sprachen. Ihr Formenalphabet schwebt im Hintergrund, während die englische Übersetzung die Worte „RELENTLESS TENDERNESS“ (Unermüdliche Zärtlichkeit) ergibt, die über den Bildschirm scrollen. Dieser unverwechselbar menschliche Ausdruck grenzt uns von künstlicher Intelligenz ab und betont den Wert von Emotionen und die Gemeinsamkeiten, die uns als Spezies verbinden. Dies spiegelt den Appell der Künstlerin für Toleranz, Verständnis und Empathie in der heutigen Welt wider.

Tabor Robak (Freitags / Barclays Center)
(geb. 1986 in Portland, Oregon; lebt und arbeitet in Brooklyn, New York)

Flüssigkeitsdemonstration, 2016.
Digitales Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Tabor Robaks computergenerierte Bilder und Videos verschmelzen 3D-Animation, Videospiele und die Sprache des Marketings zu einer lehrreichen Spannung zwischen Realität und Simulation. Für „Oculus“ im Barclays Center nutzte Robak eine innovative Methode, um sein neues, farbenfrohes Kunstwerk zu erschaffen. Der Künstler animierte algorithmische Bewegungsmuster aus Videospielen und verwandelte sie in leuchtende Farbwirbel, die den Bildschirm füllen und die beeindruckende 360-Grad-Leinwand in einen dynamischen Strom fließender Farben verwandeln, der das Publikum darunter umgibt.

Jacolby Satterwhite (Mittwochs / Barclays Center)
(geb. 1986 in Columbia, South Carolina; lebt und arbeitet in New York City, New York)

Der sichere Raum, 2017.
Videoanimation
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Moran Bondaroff Gallery

Jacolby Satterwhites Videos, die von Science-Fiction inspirierte Umgebungen zeigen, nutzen Performance und 3D-Animation, um Erinnerung und persönliche Geschichte zu erforschen. Sein neues Werk für das Barclays Center präsentiert ein 360-Grad-Virtual-Reality-Video. Die futuristische Szene zeigt eine außerirdische Landschaft mit hellen, wirbelnden Maschinen und tanzenden Figuren, die die Betrachter mit ihrer immersiven Anziehungskraft fesselt.

Martin Syms (Freitags / Times Square)
(geb. 1988 in Los Angeles, Kalifornien; lebt und arbeitet in Los Angeles, Kalifornien)

Lektion LXXV, 2017.
Digitales Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Bridget Donahue Gallery

Stark beeinflusst von Film und Fernsehen, untersucht Martine Syms in ihren Multimedia-Arbeiten Darstellungen von Schwarzer Identität und deren Beziehung zu amerikanischer Sitcom, Sprache, Kino und feministischen Bewegungen. Ihr neues Video, Lektion LXXV, ist eine Fortsetzung ihrer fortlaufenden Serie, die damit begann, dass die Künstlerin Werbespots zu den in Kevin Youngs Prosawerk beschriebenen „Lektionen“ erstellte. Das graue Album: Über die Schwärze der SchwärzeWährend vorherige Programm haben persönliche und gefundene Videos verwendet, für Times Square schuf Syms ein ergreifendes und zugleich beunruhigendes Selbstporträt mit aufgeladenen Untertönen.

Britta Thie (Freitags / LinkNYC)
(geb. 1987 in Minden, Deutschland; lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland)

Der SuperhostTeaser, 2017
Digitales Video
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Der SuperhostPoster, 2017
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Angstzustände, 2013.
Digitales Bild,
Foto: Kerstin Zu Pan; Styling: Julia Burlingham. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin.

Britta Thies Werk untersucht die menschliche Existenz anhand von Seifenopern, Werbung und dem komplexen, wechselhaften Verhältnis zwischen dem Selbst und der digitalen Repräsentation. Die sechsteilige Webserie der Künstlerin, Translantik, dramatisierte die Charakteristika der Millennials durch Online-Personas und die Fluidität von Identität und Nationalität.

An den LinkNYC-Kiosken schaltet Thie einen Werbespot für ihre kommende Nachfolgeserie. Der SuperhostDie satirische Dramaserie spielt in einer fiktiven Airbnb-Wohnung und dreht sich um die postdigitale Selbstvermarktung durch Online-Bewertungssysteme. Die Sitcom wurde im Juni 2016 vor Live-Publikum aufgeführt. Die Live-Aufnahmen und Proben bilden die Grundlage für die finale Webserie, die mit Animationen und einer Lachkonserve, die den Bewertungssternen entspricht, ergänzt wurde. Die Serie startet im März 2017 auf ARTE.TV. Weitere Informationen finden Sie unter the-superhost.com.

Hannah Whitaker (Samstags / LinkNYC)
(geb. 1980 in Washington, DC; lebt und arbeitet in New York City, NY)

Schritt 1:, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der M+B Gallery

Schritt 2:, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der M+B Gallery

Schritt 3:, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der M+B Gallery

Schritt 4:, 2017.
Digitales Bild
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der M+B Gallery

Hannah Whitaker beginnt ihre Fotografien mit einer Technik zu erstellen, die zwar keine digitalen Pixel verwendet, aber an die Lochkarten der ersten Computer erinnert, die die Datenverarbeitung ermöglichten. Sie erstellt eine Reihe von Sieben, die ihre Motive abschnittsweise auf den Film belichten. Durch diesen akribischen, sich wiederholenden Prozess hat sie eine Reihe von Bildern geschaffen für Werbepause Mit sich bewegenden Körpern, eingerahmt von farbenfrohen geometrischen Formen. So nutzt sie Techniken der digitalen Informationsverarbeitung und rudimentärer Animation, um eindrucksvolle Fotografien zu schaffen, die an historische Digitaltechnik erinnern. Diese verweisen auf die innovativen Pioniere des Grafikdesigns und der Werbung und verleihen unserer urbanen Dynamik einen Hauch von Verspieltheit und Farbe.