Katinka Bock, Valérie Blass, Esther Kläs, Allyson Vieira Konfigurationen

Konfigurationen Die Ausstellung vereint neue und jüngere Werke von vier Künstlern, die sich mit einer der zentralen Fragen der Bildhauerei auseinandersetzen: Was geschieht, wenn wir um ein Objekt herumgehen? Sie erforschen die Natur dieser Erfahrung im Verhältnis zum Körper – unserem eigenen als Betrachter sowie dem, der in Form und Größe der ausgestellten Werke impliziert ist. Ob gebeugt, aufrecht, gebückt oder geneigt – diese freistehenden Objekte deuten auf eine menschliche Dimension hin, die unsere Wahrnehmung des Werkes prägt.

Der Körper jeder Künstlerin ist für ihren bildhauerischen Prozess von Bedeutung. Gliedmaßen, Hände und Reichweite setzen Grenzen und Möglichkeiten, die oft als Leitprinzip im Atelier dienen. Mit einem erfinderischen und haptischen Zugang zu Material und Technik sind ihre kreativen Prozesse gleichermaßen praktisch und intuitiv. Improvisation und Experimentieren bringen unverwechselbare Oberflächen und Texturen hervor, die zum Berühren einladen. Formen bevölkern die Landschaft in menschlichen Konfigurationen – eng beieinander oder einzeln stehend. Wenn wir uns um diese physisch ansprechenden Werke bewegen, treten wir in einen Dialog zwischen dem Objekt und seiner Umgebung.

Konfigurationen wird von Andria Hickey kuratiert.

Katinka Bock
Person, 2012.
Cortenstahl, Zink, Bronze, Beton
Schutzhütte aus Cortenstahl: 10′ 6″ x 6″ x 5′
Bronzefigur und Becken: 7′ x 4′ 10″
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Meyer Reigger sowie der Galerie Jocelyn Wolff

Diese totemartige Bronzefigur ruht direkt unter einem Stahldach. Wie Bocks andere öffentliche Werke steht auch diese Figur in poetischer Beziehung zur Außenwelt. Bei Regen leitet das Dach das Wasser über das „Gesicht“ der Figur und verleiht dem leblosen Objekt so eine emotionale Dimension. Der französische Titel des Werkes lautet: Person, bedeutet sowohl „Person“ als auch „Niemand“ und spielt mit der ambivalenten Körperlichkeit des Objekts.

Katinka Bock (geb. 1976 in Frankfurt am Main) studierte in Berlin, Dresden, Paris und an der École Nationale des Beaux-Arts in Lyon. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Gruppenausstellungen gezeigt, darunter Die räumliche Stadt: Eine Architektur des Idealismus im Hyde Park Art Center, Chicago (2010); Hier tanzen wir in der Tate Modern, London (2008); und La Jeune Creation Contemporaine im Musée d'art Contemporain, Lyon, Frankreich (2005). Zu ihren Einzelausstellungen gehören Katinka Bock – Personne – Chiado 8 bei Arte Contemporanea, Lissabon, Portugal (2012); Frischzelle_12: Katinka Bock im Kunstmuseum Stuttgart, Deutschland (2010); und Katinka Bock u.a. im Kunstverein Nürnberg – Albrecht Dürer Gesellschaft, Deutschland (2009).

Valérie Blass
Orca Gladiator, 2012.
Polystyrol, Gipszement, Epoxidharz, Kupfer
90 Zoll x 54 Zoll x 31 Zoll

Skulptur Bidon, 2012.
Laserdruck auf Granit
70 "x 51" x 9 "

(Meuble mécanique) marche pied, lamp-marteau, 2012.
[(Mechanische Möbel) Obertransportfuß, Lampenhammer]
Bronze, Fundstücke
80 Zoll x 54 Zoll x 27 Zoll

Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Pariser Wäscherei, Montreal

Valérie Blass' Skulpturen entstehen häufig aus einem Prozess der Improvisation und des Experimentierens. Sie verwendet Fundstücke aus verschiedenen Epochen und kombiniert diverse Bildhauertechniken zu hybriden Formen. Verschmelzt mit einer klassischen Formensprache, transformiert ihr Werk die Tradition der figurativen Bildhauerei. Die beiden neuen ausgestellten Arbeiten, Orca Gladiator und Skulptur Bidon Sie sind von einer Fotografie aus der Jahrhundertwende inspiriert und erforschen die Spannung zwischen Abbildungen und den dargestellten Objekten. Wie fremdartige, entfremdete Zwillinge steht das eine Objekt als surreales Spiegelbild des anderen in einer völlig anderen Umgebung da.

Valérie Blass (geb. 1967 in Montréal, Kanada) hat einen Bachelor- und einen Masterabschluss in Bildender Kunst und Medienkunst von der Université du Québec à Montréal. Ihre Arbeiten waren Gegenstand von Einzelausstellungen im Musée d'art contemporain, Montréal (2012) und im Museum of Canadian Contemporary Art, Toronto (2009) sowie in zahlreichen Galerien und Künstlerzentren in Montréal und Québec. Blass wurde zur ersten Québec-Triennale im Musée d'art contemporain in Montréal (2008) eingeladen und ihre Werke wurden in Gruppenausstellungen in der Galerie de l'UQAM, Montréal (2012); im MASS MoCA, North Adams, Massachusetts (2012); im Musée national des Beaux-Arts du Québec (2010); in der National Gallery of Canada, Ottawa (2010); und im The Power Plant, Toronto (2009) gezeigt. Ihre Werke sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, insbesondere in der ständigen Sammlung der National Gallery of Canada, des Montreal Museum of Fine Arts, des Musée contemporain de Montréal, der Leihgabensammlung des Musée National des Beaux-Arts du Québec und der Royal Bank of Canada.

Esther Kläs
Gelift (RGB), 2012.
Aquaresin, Beton
Rot: 46″ x 30″ x 32″
Grün: 48″ x 33″ x 26″
Blau: 49″ x 32″ x 24″
Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Peter Blum Gallery, NY

Esther Kläs' gebeugte, anthropomorphe Formen bilden eine spielerische Anordnung, die zur Interaktion einlädt. Die aus pigmentiertem Aquaresin gegossenen, hohlen Hügel wirken abstrakt und erinnern doch an die Gestalt gebeugter Figuren. Die Formen bieten Besuchern einen Ruheplatz und scheinen die Betrachter aufzufordern, die Installation zu vervollständigen. Sie befinden sich im Gras entlang eines Zementwegs. Gelift schafft eine poetische Beziehung zwischen den statischen Objekten und unseren sich bewegenden Körpern.

Esther Kläs (geb. 1981 in Mainz) studierte an der Kunstakademie Düsseldorf und schloss ihr Studium mit einem MFA am Hunter College in New York City ab. Ihr war die Einzelausstellung gewidmet. Bessere Energie im MoMA PS1 im Jahr 2012. Ihre Arbeiten wurden außerdem in einer Reihe bedeutender internationaler Ausstellungen gezeigt, darunter Immateriell, Ballsaal Marfa, Texas (2011); Erhebe dich, Rose, auferstanden bei der Emily Harvey Foundation, Venedig (2011); Zug des Ritters im SculptureCenter, New York (2010); und in der Concrete Jungle Theatergalerie, Mönchengladbach, Deutschland (2008).

Allyson Vieira
Gewichtstragfähigkeit V, 2012.
Gewichtsbelastbarkeit VI, 2012.
Gewichtsbelastbarkeit VII, 2012.
Beton, Stahl, Farbe
77″ H x 77″ B x 22″ (jeweils)

Torso (Archaisch) II, 2012.
Spiegel, Gips, Handschuhe, Klebstoff, Beton, Gips-Schweißmittel, Wachs, Klebeband, Draht und Gipskarton
15 ¾” x 47 ¼” x 11 ½”

Rumpf (Schwer) II, 2012.
Spiegel, Gips, Beton, Plastikbecher, Harz, Klebstoff, Gipsschweißmittel, Draht und Handschuh
15 ¾” x 47 ¼” x 11 ½”

Torso (Dekadent) II, 2012.
Spiegel, Gips, Gipskleber, Kreide, Beton, Wasserfarben, Wachs, Handschuhe, Pappbecher, Stoff, Pergaminpapier, Klebstoff und Klinge
15 ¾” x 47 ¼” x 11 ½”

Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Laurel Gitlen, NY

Allyson Vieiras Pfosten- und Sturzskulpturen, Gewichtsbelastung V–VIISie greift auf ihr Interesse an klassischen Formen und deren Beziehung zum Körper zurück. Indem sie ihre eigene Größe und Statur zur Gestaltung der Formen nutzt, suggerieren die Säulen ein figürliches Profil, während die Bögen an griechische Architektur und die antiken Monumente von Stonehenge erinnern. Ebenso unterstreichen die Türme aus Zementblöcken und die Stahlträger die Verbindung zur modernistischen Architektur des angrenzenden Gebäudes.

Allyson Vieira (geb. 1979 in Somerset, Massachusetts) hat einen Bachelor of Fine Arts von der Cooper Union und einen Master of Fine Arts von der Milton Avery Graduate School of Arts des Bard College. Vieiras Arbeiten wurden in zahlreichen Gruppenausstellungen gezeigt, darunter Queens International 2012: Drei Punkte bilden ein DreieckQueens Museum of Art, New York (2012); Liliputaner, The High Line, New York (2012); und Zug des Ritters im SculptureCenter, New York (2011).