Die Außenansicht eines Bahnhofs mit drei großen Bogenfenstern und -türen, durch die ein Kunstwerk hervorlugt.

Moynihan-Bahnhof

Moynihan-Zughalle

Daueransicht

Über uns

Was macht ein öffentliches Gebäude zu einem wahrhaft bürgerlichen Raum, der ein Gefühl von gemeinsamer Verantwortung und kollektivem Stolz hervorrufen kann? In der neuen Moynihan Train Hall fangen und drücken eine Reihe bemerkenswerter Kunstwerke im öffentlichen Raum den Geist demokratischer Zielsetzung, historischer Erinnerung und innovativen Designs aus, die dieses neue Herzstück der essentiellen städtischen Infrastruktur New Yorks prägen.

Die historische Pennsylvania Station, ein Meisterwerk der Beaux-Arts-Architektur, entworfen von McKim, Mead & White, wurde 1910 eröffnet. Ihr Abriss 1963 bedeutete den Verlust eines beliebten architektonischen und städtebaulichen Wahrzeichens im Herzen der Stadt. Die hochmoderne Moynihan Train Hall, die im Dezember 2020 unter der Führung von Gouverneur Andrew M. Cuomo fertiggestellt wurde, ist eine behutsame und zugleich visionäre Sanierung des 1912 erbauten James A. Farley Post Office, dem markanten Schwestergebäude der ursprünglichen Pennsylvania Station.

Public Art Fund Im Auftrag von Empire State Development entwickelte und leitete er ein ambitioniertes Programm mit Kunstinstallationen für drei prominente Standorte in der Train Hall. Entsprechend der architektonischen Integration von Alt und Neu im neu gestalteten Gebäude beauftragte das Kunstprogramm drei der weltweit führenden Künstler mit der Schaffung großformatiger, ortsspezifischer Kunstwerke, die sich umfassend mit den Begriffen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auseinandersetzen. Diese sehr unterschiedlichen Werke von Stan Douglas, Elmgreen & Dragset und Kehinde Wiley zeugen vom Einfallsreichtum und der Vision jedes einzelnen Künstlers.

Stan Douglas hat die Geschichte der ursprünglichen Penn Station erforscht und mithilfe modernster digitaler Technologien Erzählungen aus verschiedenen Epochen heroisch zum Leben erweckt. Elmgreen & Dragset haben eine imaginäre Weltmetropole in ein skulpturales Gebilde verwandelt, das auf dem Kopf steht und die unwiderstehliche urbane Energie der Stadt ausstrahlt. Kehinde Wiley hat, inspiriert von klassischen Freskendecken und mit beleuchteten Buntglasfenstern, die Bewegungen des Breakdance – einer in den Straßen der Bronx entstandenen Kunstform – in eine lyrische Allegorie dynamischen menschlichen Ausdrucks verwandelt. Geprägt von gewagten Gegenüberstellungen von Alt und Neu, stehen diese Auftragsarbeiten sinnbildlich für den ständigen Innovations- und Transformationsprozess, der New York so einzigartig macht. Sie sind auf unterschiedliche Weise fesselnd und kraftvoll, jede inspiriert von New Yorks reichem Erbe, seinen vielfältigen und talentierten Menschen und seinem kreativen Geist. Gemeinsam verleihen sie dem großzügigen, bürgerlichen Charakter der Moynihan Train Hall eine schillernde künstlerische Note.

Stan Douglas, Ein halbes Jahrhundert Penn Station

Von 1910 bis 1963 stand die ursprüngliche Pennsylvania Station einen Block östlich der Moynihan Train Hall, an der Stelle des heutigen Madison Square Garden. Der Abriss des prachtvollen Gebäudes im Beaux-Arts-Stil, entworfen von den renommierten amerikanischen Architekten McKim, Mead & White, gilt heute als unermesslicher Verlust für die Architekturgeschichte des Gilded Age und das Stadtbild New Yorks. Im Wartesaal der Moynihan Train Hall rekonstruieren die neun Fototafeln des Künstlers Stan Douglas, angeordnet in drei Paaren und einem Triptychon, bedeutende, aber wenig bekannte Momente aus der fünfzigjährigen Geschichte des Bahnhofs und lassen die vergessene Geschichte der Stadt lebendig werden. Um sowohl das abgerissene Gebäude als auch diese Momente wiederzubeleben, recherchierte Douglas umfassend in Archiven. Ausgehend von Fotografien, Zeitungsartikeln und Bauplänen inszenierte er historische Ereignisse, indem er Darsteller in historischen Kostümen fotografierte und inszenierte. Douglas fügte Dutzende von Aufnahmen zu jedem einzelnen Tableau zusammen und platzierte diese in präzise gestalteten CGI-Hintergründen (computergenerierte Bilder), die die hohen Decken und die imposanten Hallen des ursprünglichen Bahnhofs originalgetreu wiedergeben. Douglas wählte Ereignisse aus, die die Bandbreite kollektiver Erfahrungen widerspiegeln, für die die Penn Station als Bühne diente. Mit filmischer Qualität lässt jede Szene die Geschichte in verblüffender Detailtreue wiederaufleben und enthüllt dieses architektonische Wahrzeichen als grandioses Theater für die Millionen menschlicher Dramen, die öffentliche Räume beleben und ihnen Bedeutung verleihen.

Seit den späten 1980er Jahren nutzt Douglas Fotografie, Film und Theater, um Geschichte und die Mittel ihrer Dokumentation, die ihre Gestalt in unserem kollektiven Gedächtnis prägen, neu zu überdenken. Ausgehend von umfassender historischer Recherche rücken Douglas' Kunstwerke übersehene Ereignisse an einem bestimmten Ort in ein neues Licht. Er konzentriert sich häufig auf intime, lokale Momente der Inszenierung und Ergreifung, die von umfassenderen gesellschaftlichen Veränderungen zeugen. Indem er diese Ereignisse nachstellt, verweist Douglas bewusst auf die Technologien, die er einsetzt, um sie zum Leben zu erwecken. Ein halbes Jahrhundert Penn StationDie Darstellungen von Varietékünstlern, Hollywood-Kulissen und Fotowandbildern spiegeln Douglas’ eigenen künstlerischen Prozess wider und legen nahe, dass fotografische Dokumentation ebenso sehr ein Medium der Fantasie wie der Realitätsnähe sein kann. Die neun einzelnen Szenen, die speziell für die vier architektonischen Nischen an der Rückwand des Wartezimmers mit Eintrittskarten konzipiert wurden, sind durch mehrere Erzählstränge miteinander verbunden und enthüllen subtile Details, die sich erst bei genauer Betrachtung offenbaren. Ein halbes Jahrhundert Penn Station ist der erste permanente öffentliche Auftrag des Künstlers in den Vereinigten Staaten.

Stan Douglas (geb. 1960 in Vancouver, Kanada; lebt und arbeitet in Vancouver)
Ein halbes Jahrhundert Penn Station, 2020.
Keramische Tinte auf Glas
Neun Fototafeln, installiert in vier Nischen: jede Nische 2,03 m H x 6,76 m B x 1,27 cm T
Im Auftrag von Empire State Development in Partnerschaft mit Public Art Fund

Installationsfotos

Zwei horizontale Fototafeln, darunter blaue Polster und Holzsitzbänke. Die beiden Fotografien zeigen Nachstellungen bedeutender, aber wenig bekannter Ereignisse...

Eine Wand in der Bahnhofshalle ist mit zwei horizontalen Fototafeln behängt, darunter befinden sich blaue Polster und Holzsitzbänke. Die beiden Fotografien zeigen nachgestellte Szenen…

Über den Künstler

Stan douglas Profil

Seit den späten 1980er Jahren nutzt Stan Douglas (geb. 1960 in Vancouver, Kanada) Fotografie, Film und Theater, um Geschichte und die Mittel ihrer Dokumentation, die ihre Gestalt in unserem kollektiven Gedächtnis prägen, neu zu betrachten. Douglas’ Werke, die auf umfassender historischer Recherche basieren, rücken übersehene Ereignisse an bestimmten Orten in ein neues Licht. Er konzentriert sich häufig auf intime, lokale Momente der Inszenierung und Ergreifung, die von umfassenderen gesellschaftlichen Umbrüchen zeugen. Indem er diese Ereignisse neu inszeniert, verweist Douglas bewusst auf die Technologien, die er einsetzt, um sie zum Leben zu erwecken.

Douglas' Werk war Gegenstand von Einzelausstellungen in namhaften Institutionen wie dem Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, N (2025); DAS MINSK Kunsthaus, Potsdam, Deutschland (2022); Phi Foundation, Montreal (2022); Art Gallery of Nova Scotia, Halifax (2022); Toledo Museum of Art, OH (2021); Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (MUDAM), Luxemburg (2018); Pérez Art Museum, Miami (2016); Salzburger Kunstverein, Salzburg, Österreich (2016); Hasselblad Center, Göteborg, Schweden (2016); und WIELS Centre d'Art Contemporain, Brüssel (2015). Seine Arbeiten wurden auf der Biennale von Venedig (2022, 2019, 2005, 2001, 1990) und der documenta (2002, 1997, 1992) gezeigt. Douglas erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Audain-Preis für Bildende Kunst (2019), den Internationalen Fotografiepreis der Hasselblad-Stiftung (2016), den dritten jährlichen Scotiabank Photography Award (2013) und den Infinity Award des International Center of Photography, New York (2012). Seine Werke befinden sich in Sammlungen weltweit, darunter die Art Gallery of Ontario, Toronto; das Centre Georges Pompidou, Paris; das Los Angeles County Museum of Art, Kalifornien; das Museum of Contemporary Art, Chicago, Illinois; das Museum of Modern Art, New York City; die National Gallery of Canada, Ottawa; das Pérez Art Museum, Miami; das San Francisco Museum of Modern Art, Kanada; das Solomon R. Guggenheim Museum, New York City; die Tate, London; und die Vancouver Art Gallery, Kanada. Douglas lebt und arbeitet in Vancouver.

(ab 2025)

Artworks

Foto einer spontanen Varieté-Vorstellung im Wartesaal des historischen Penn Station-Gebäudes.

Menschen in Winterkleidung aus den 1920er Jahren versammeln sich auf der Treppe, um das Auftauchen einer verhafteten Frau zu beobachten und zu fotografieren.

Ein dreimotoriges Flugzeug steht im schwach beleuchteten, leeren Wartesaal eines großen Bahnhofs. Sonnenlicht strömt herein, während nach und nach die Passagiere eintreffen.

Sechs riesige Schwarz-Weiß-Fototapeten in einem großen Bahnhof zeigen Eisenbahnangestellte: einen Schaffner, einen Lokführer, einen Soldaten und viele mehr.

Die Abbildung eines modernen Fahrkarten- und Servicebüros in einem großen Bahnhof mit einem leuchtenden Dach, das einer Muschelschale ähnelt.

Das Bild zeigt letzte Momente der Zuneigung, als Soldaten, die in den Zweiten Weltkrieg aufbrechen, in einem großen Bahnhof Abschied von ihren Angehörigen nehmen.

Eine leere Filmkulisse aus dem Jahr 1945, die in einer großen Bahnhofshalle spielt und nur von Technikern, Requisiten und Beleuchtungstechnik bevölkert ist.

Elmgreen & Dragset, The Hive

Von der Decke der Eingangshalle im mittleren Blockbereich der 31. Straße abgehängt, The Hive ist ein Architekturmodell im Maßstab 1:100, das eine surreale und fantastische Vision einer globalen Metropole bietet. Dutzende beleuchtete Hochhäuser scheinen sich auf die Besucher zuzubewegen; ihre nach unten geneigte Ausrichtung eröffnet ihnen beim Erkunden des Raumes immer wieder neue Perspektiven. Das Künstlerduo Elmgreen & Dragset hat miniaturisierte Wolkenkratzer aus eigener Feder mit ikonischen Hochhäusern aus Megastädten weltweit kombiniert und diese Türme auf ihre wesentlichsten Formen reduziert. Diese fiktive Stadt vereint Wahrzeichen aus Chicago, Hongkong, Kuala Lumpur, London und Paris sowie die ikonischen Silhouetten von New York City.

Dem Werk einen Titel geben The HiveDie Künstler deuten auf eine Verbindung zwischen natürlichen und von Menschenhand geschaffenen Strukturen hin, wie etwa der komplexen und sich ständig verändernden Architektur eines Bienenstocks. Sie vergleichen die an der Decke befestigten Gebäude mit leuchtenden Stalaktiten, die den hochentwickelten Städten unserer Zeit Tribut zollen und uns gleichzeitig an unsere Ursprünge als Höhlenbewohner erinnern. Vertraut und doch fremd, verdeutlicht diese unheimliche, hybride Darstellung eines urbanen Zentrums die Globalisierung der Architektur und evoziert den Einfluss und die Vernetzung der großen Städte der Welt. Wie ein umgekehrtes Spiegelbild des Stadtbildes direkt hinter den Türen der Bahnhofshalle. The Hive bringt die Quintessenz der Idee von New York City als Schmelztiegel zum Ausdruck, in dem Kulturen, Nationalitäten und Ethnien zusammenleben und mehr sind als die Summe ihrer Teile.

Seit 1995 schaffen Elmgreen & Dragset Skulpturen und Installationen, die neue Perspektiven auf die Strukturen und Systeme unseres Lebens eröffnen. Ihre Werke versetzen Alltagsgegenstände in unerwartete Arrangements und Umgebungen, oft mit subversivem Humor. Durch die Rekontextualisierung des Vertrauten transformieren die Künstler die alltäglichen Bestandteile unserer Lebenswelt – Geldautomaten, Abwasserrohre, Schwimmbäder in Vororten – und laden so zu neuen Erzählungen ein und aktivieren Assoziationen mit breiteren gesellschaftlichen Spannungen. Elmgreen & Dragsets Strategie der Verdrängung verändert grundlegend unsere Wahrnehmung unserer Umgebung und widersetzt sich oft Vorstellungen von Konformität innerhalb unserer gebauten und soziokulturellen Umwelt. In Übereinstimmung mit ihrer künstlerischen Praxis und im visuellen Dialog mit den Werken der Künstler… Magische Pilze (2015) und Stadt im Himmel (2019) The Hive Es ermöglicht uns eine überraschende Wahrnehmungs- und Raumbeziehung zu einem vertrauten Anblick: der Skyline der Stadt. Die aufragende Gestalt der umgedrehten Wolkenkratzer wirkt gleichermaßen überwältigend und faszinierend. Sie erinnert an die magnetische Anziehungskraft der Städte und die fortschreitende Urbanisierung unserer Welt. Mit bis zu 2,7 Metern hohen Gebäuden und über 1.3 Kilometern LED-Streifen zählt diese Installation zu ihren technisch anspruchsvollsten. The Hive ist die erste permanente öffentliche Skulptur der Künstler in New York.

Ulmengrün & Dragset
Michael Elmgreen (geb. 1961 in Kopenhagen, Dänemark; lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland), Ingar Dragset (geb. 1969 in Trondheim, Norwegen; lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland)
The Hive, 2020.
Edelstahl, Aluminium, Polycarbonat, LED-Leuchten und Lack
45 Fuß 5 Zoll L x 22 Fuß 5 Zoll B x 12 Fuß T
Im Auftrag von Empire State Development in Partnerschaft mit Public Art Fund

Installationsfotos

Eine Nahaufnahme zeigt einen Ausschnitt aus schwarz-weiß beleuchteten Hochhäusern, die von der Decke herabgelassen werden.

Eine Reihe von Schwarz-Weiß-Aufnahmen beleuchtete Hochhäuser, die von der Decke des Inneren eines Bahnhofs herabhingen, mit drei Bogenfenstern.

Eine Reihe von Schwarz-Weiß-Aufnahmen beleuchtete Hochhäuser, die von der Decke des Inneren eines Bahnhofs herabhingen.

Eine Reihe schwarz-weißer, beleuchteter Hochhäuser scheint von der Decke des Inneren eines Bahnhofs herabzuhängen. Menschen gehen unter dem Kunstwerk hindurch.

Elmgreen & Dragset danken ihrem Studio (Niklas Schumacher, Margo Lauras, Moritz Pitrowski, Rhiannon Thayer, Darius Am Wasser, Phoebe Emerson, Leona Tobien, Sasha Mballa-Ekobena) sowie Steelworks, Studio Barthelmes, UAP, Torsilieri und Craft Engineering.

Über den Künstler

Ulmengrün & Dragset Profil

Elmgreen & Dragset präsentierten Einzelausstellungen in Institutionen wie dem Musée d'Orsay, Paris (2024–25); dem Centre Pompidou-Metz, Frankreich (2023–24); der Fondazione Prada, Mailand (2022); dem Nasher Sculpture Center, Dallas (2019–20); der Whitechapel Gallery, London (2018–19); dem Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv (2016); dem UCCA Center for Contemporary Art, Peking (2016); PLATEAU, Samsung Museum of Art, Seoul (2015); dem Victoria and Albert Museum, London (2013–14); dem Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (2011); und dem ZKM Museum für Moderne Kunst, Karlsruhe (2010). Ihre Arbeiten wurden in die NGV Triennale, Melbourne, Australien (2023), aufgenommen. Bangkok Biennale (2018), Istanbul Biennale (2013, 2011, 2001), Liverpool Biennale (2012), Singapur Biennale (2011), Moskau Biennale (2011, 2007), Venedig Biennale (2009, 2003), Gwangju Biennale (2006, 2002), São Paulo Biennale (2002) und Berlin Biennale (1998). 2012 wurden Elmgreen & Dragset für die Fourth Plinth Commission am Trafalgar Square in London ausgewählt. Ihre Werke befinden sich in den Sammlungen des Museum of Contemporary Art, Chicago; des ARKEN Museum of Contemporary Art, Ishøj, Dänemark; des Columbus Museum of Art, Ohio; des Museo Jumex, Mexiko-Stadt; des Hamburger Bahnhof, Nationalgalerie der Gegenwart, Berlin; und des Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul. Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Dänemark; und Moderna Museet, Stockholm. Elmgreen & Dragset leben und arbeiten in Berlin.

(ab 2020)

Kehinde Wiley, Go

Kehinde Wileys handbemaltes Glastriptychon, das die weitläufige Decke der Eingangshalle des 33rd Street Midblock dominiert, zelebriert die Lebendigkeit und Virtuosität von Körpern in Bewegung in monumentaler Größe. Go ist eine überschwängliche Darstellung junger, schwarzer New Yorker in Posen, die vom Breakdance inspiriert sind, dem modernen Tanzstil, der in den 1960er und 70er Jahren auf den Straßen New Yorks unter afroamerikanischen und lateinamerikanischen Jugendlichen entstand. Wiley greift auf die klassische europäische Tradition der Deckenfresken zurück und verwendet eine ausgeprägte Verkürzungstechnik (oft mit dem Meister Giovanni Battista Tiepolo aus dem 18. Jahrhundert in Verbindung gebracht), um den Eindruck von Figuren zu erwecken, die gen Himmel aufsteigen. Er fängt sie mitten in der Bewegung vor wogenden Wolken in einem strahlend blauen Himmel ein, wie sie sich in Posen drehen und wenden, die die Kombination aus Präzision, Athletik und Ausdruck verkörpern, die diesem akrobatischen Performancestil innewohnt. Wiley besetzt seine Motive mit Rollen, die traditionell Heiligen und Engeln vorbehalten sind, und stellt sie stattdessen als einzigartige Individuen in ihrer alltäglichen Straßenkleidung dar. Diese zeitgenössischen Avatare des Erhabenen sind beeindruckend in ihren die Schwerkraft überwindenden Fähigkeiten und doch jedem U-Bahn-Fahrer vertraut. Ein Bild der Freude an der Schnittstelle von Epischem und Intimem. Go Wiley erweitert die metaphorische Sprache des Lichts und der Göttlichkeit, um das Talent, die Schönheit und die Kraft schwarzer Körper zu offenbaren. Indem sie die urbane Umgebung in eine himmlische Traumlandschaft verwandelt, vermittelt sie einen optimistischen Geist der Zuversicht, der Möglichkeiten und des Überlebenswillens.

In den letzten zwei Jahrzehnten erlangte Wiley Anerkennung für seine äußerst naturalistischen Gemälde von Schwarzen und People of Color in Posen und Formaten, die dem westlichen kunsthistorischen Kanon entlehnt sind. Oft lädt er junge Menschen, denen er in urbanen Zentren weltweit begegnet, dazu ein, eine Pose ihrer Wahl aus Porträts europäischer Meister nachzustellen. Damit unterstreicht er die komplexen und anhaltenden soziopolitischen Zusammenhänge, die den Ausschluss von People of Color aus einem Großteil der Kunstgeschichte bedingt haben. In den letzten Jahren hat Wiley sein Schaffen auf die Bereiche Bildhauerei und öffentliche Denkmäler sowie auf die Glasmalerei ausgeweitet. Das dreiteilige, hinterleuchtete Werk reagiert raffiniert auf seinen architektonischen Kontext, indem es die Oberlichter der Moynihan Train Hall aufgreift und Details der schmiedeeisernen Verzierungen der Gebäudefassade in die aufwendige, die Komposition rahmende Leiste integriert. Go ist seine erste permanente, ortsspezifische Installation aus Glas.

Kehinde Wiley (geb. 1977 in Los Angeles, Kalifornien; lebt und arbeitet in New York City und Dakar, Senegal)
Go, 2020.
Buntglas mit Aluminiumrahmen, Gipsformteilen, Stahlkonstruktion und LED-Lichtpaneel
17'6” L x 55'8” B x 10” T
Im Auftrag von Empire State Development in Partnerschaft mit Public Art Fund

Installationsfotos

Ein farbenfroh bemaltes Glas-Triptychon, das junge Schwarze in vom Breakdance inspirierten Posen vor dem Hintergrund wogender Wolken in einem strahlend blauen Himmel zeigt.

Detail eines farbenfroh bemalten Glas-Triptychons, das eine junge schwarze Frau in einer vom Breakdance inspirierten Pose vor wogenden Wolken in einem brillanten... darstellt.

Kehinde Wiley Danksagung Brad Ogbonna, Chelsea Guerdat, David Muller von DCM Fabrication, Dee und Ricky Jackson, Dominick Conetta von DUN-RITE Specialized Carriers, Gabriella Wilks, Janine Cirincione, Jesenia Pineda, Jey Yaro, Jitka und Richard Kanta von SKLO, John Fedoroff, John Thomas, Kylie Corwin, Lya Pouleyy, Malak Lunsford, Rosey Selig-Addiss, Sable Boykin, Sarina Martinez, Sasha Boykin, Sean Kelly und Taquane Butler.

Über den Künstler

Kehinde Wiley Profil

Kehinde Wiley (geb. 1977 in Los Angeles) ist vor allem für seine ausdrucksstarken Porträts zeitgenössischer Afroamerikaner und Menschen der afrikanischen Diaspora bekannt, die die Hierarchien und Konventionen der europäischen und amerikanischen Porträtmalerei hinterfragen. Er lädt regelmäßig junge Menschen in urbanen Zentren weltweit ein, eine Pose ihrer Wahl aus Porträts europäischer Meister nachzustellen und so die komplexen und anhaltenden soziopolitischen Zusammenhänge zu verdeutlichen, die den Ausschluss von People of Color aus einem Großteil der Kunstgeschichte bedingt haben. In den letzten Jahren hat Wiley sein künstlerisches Schaffen auf die Bereiche Bildhauerei, Denkmäler und Glasmalerei ausgeweitet. Seine Porträts, die Malerei, Skulptur und Video umfassen, stellen kunsthistorische Narrative infrage und geben ihnen eine neue Richtung, indem sie komplexe Themen ansprechen, die viele lieber verschweigen würden. 2018 war Wiley der erste schwarze Künstler, der ein offizielles US-Präsidentenporträt für die Smithsonian National Portrait Gallery malte; der ehemalige US-Präsident Barack Obama hatte ihn für diese Ehre ausgewählt. 2019 präsentierte der Künstler seine erste großformatige öffentliche Skulptur am Times Square in New York: ein Reiterdenkmal aus Bronze, das den Heldenmut junger schwarzer Männer in Amerika würdigt. 2020 wurde Wiley mit dem französischen Orden der Künste und der Literatur ausgezeichnet.

Wiley präsentierte Einzelausstellungen im Museum of Black Civilizations, Dakar, Senegal (2024); im de Young Museum, San Francisco (2023); in der National Gallery, London (2021); im Brooklyn Museum, New York City (2020, 2015); im Seattle Art Museum, WA (2016); im Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Paris (2016); und im Jewish Museum, New York City (2012). Zu den bemerkenswerten Gruppenausstellungen zählen Verstrickte Vergangenheiten: 1768–Heute, Royal Academy of Arts, London (2024); Giants: Kunstwerke aus der Dean Collection von Swizz Beatz und Alicia KeysBrooklyn Museum, New York City (2024); Fiktionen von Männlichkeiten: Carpeaux neu interpretiert, Das Metropolitan Museum of Art, New York City (2022); Die Obama Portraits Tours, Art Institute of Chicago (2021, Wanderausstellung im Brooklyn Museum, New York City, und im LACMA, Los Angeles); und Porträts von Afroamerikanern, LACMA, Los Angeles (2021). Seine Werke befinden sich in den Sammlungen der National Portrait Gallery, Washington, DC; des Los Angeles County Museum of Art, CA; des Hammer Museum, Los Angeles; des Museum of Contemporary Art, Los Angeles; des Metropolitan Museum of Art, New York City; des Studio Museum in Harlem, New York City; des Jewish Museum, New York City; des Victoria and Albert Museum, London; und des Brooklyn Museum, New York City. Er ist Gründer und Präsident von Black Rock Senegal. Wiley lebt und arbeitet in New York City und Dakar, Senegal.

(ab 2024)

Über kreative Partnerschaften

Wir erweitern damit unsere Kernmission, dynamische Ausstellungen der faszinierendsten Künstler der Welt zu präsentieren und Kultur für alle zugänglich zu machen. Public Art FundKreative Partnerschaften Bringt strategische Planung, kuratorische Expertise, Projektmanagement und Kommunikationskompetenz in führende Kulturinstitutionen, Unternehmen und zivilgesellschaftliche Organisationen weltweit ein. Durch diese Kooperationen Public Art Fund beauftragt permanente Installationen und temporäre Ausstellungen im Einklang mit der einzigartigen Vision unserer Partner und den spezifischen Parametern jedes Standorts. Das Ergebnis sind neue Kunstwerke, die öffentliche Räume beleben, engagierte Zielgruppen schaffen und die Wirkung der eigenen Initiativen unserer Partner durch die Kraft der Kunst im öffentlichen Raum verstärken.

Stan douglas

Ein halbes Jahrhundert Penn Station

Moynihan-Zughalle

Daueransicht

Ulmengrün & Dragset

The Hive

Moynihan-Zughalle

Daueransicht