Sam Falls Licht im Laufe der Zeit

Sam Falls schafft Kunstwerke, die einen spielerischen und dennoch konzeptionell stringenten Umgang mit Material und Prozess beinhalten. Interessiert an der Natur der fotografischen Belichtung und Darstellung, experimentierte Falls mit den Langzeitwirkungen von Sonnenlicht, Regen und Temperatur auf so unterschiedliche Materialien wie lackiertes Aluminium, wärmeempfindliche Fliesen und farbiges Glas sowie Stoff, Kupfer und Marmor. Licht im Laufe der Zeit, funktioniert wie Ohne Titel (Labyrinth) , Ohne Titel (Waagen) In ausgewählten Bereichen werden diese mit UV-Schutzfarbe gestrichen, während die unbehandelten Oberflächen durch die Einwirkung von Witterungseinflüssen ausbleichen und so den Lauf der Zeit sichtbar machen.

Falls interessiert sich auch für die Rolle des Betrachters und schafft Werke, die erlebnisorientiert und interaktiv sind. Auf den Commons, Ohne Titel (Windspiele) Beim Spielen werden neue Farben unter der bemalten Oberfläche des Klöppels sichtbar. Ebenso verändern Schatten, Licht und Körperwärme die Farben von Ohne Titel (Thermochromatische Bank) da die Fliesen auf sich ändernde Temperaturen reagieren. Ohne Titel (Lichträume) , Ohne Titel (Labyrinth) Die Skulpturen wecken Neugier und Interaktion und laden uns ein, sie zu betreten und sie so in ihrer ganzen Pracht zu erleben. Indem sie Formen, die an vertraute Objekte wie Fenster, Bänke und Spielplätze erinnern, mit natürlichen Prozessen kombiniert, lenkt die Künstlerin die Aufmerksamkeit auf den Lauf der Zeit und unsere Auseinandersetzung mit der Welt um uns herum.

Sam Falls: Licht über der Zeit wird von Andria Hickey kuratiert.

Andria Hickey: Können Sie uns etwas über Ihre Gedanken zur Wahl des Ausstellungstitels erzählen?

Sam Falls: Der Titel der Ausstellung und das darin enthaltene Konzept ziehen sich wie ein roter Faden durch mein gesamtes Werk. Man könnte auch sagen, dass die Natur der Repräsentation und der Zeitlichkeit, oder Kunst und Leben, ein roter Faden ist, der verschiedene Wege der Materialforschung miteinander verbindet. Ich nutze die Fotografie als Ausgangspunkt und Referenz, weil sie das beste Mittel zur Repräsentation ist – Licht ist unser Sehen. Zeitlichkeit definiert für mich das Leben, unser Wachstum und unseren Fortschritt, aber auch unser Altern und unseren Tod. Licht im Laufe der Zeit Es beschreibt nicht nur den Entstehungsprozess der Werke, sondern hat auch eine metaphorische Bedeutung in Bezug auf meine Auseinandersetzung mit Ästhetik und Schöpfung. Einige der ausgestellten Werke funktionieren stärker mit Licht, andere stärker mit Zeit, oder – wie das Labyrinth – in symbiotischer Weise.

AH: Das Labyrinth ist ein neues, großformatiges Werk und eine von mehreren pulverbeschichteten, modularen Skulpturen, die Sie in den letzten Jahren geschaffen haben. Wie verändern sich diese Werke im Laufe der Zeit?

SF: Das Labyrinth wird im Laufe der Jahre auf einer Seite des Paneels, die nicht über einen UV-Schutz verfügt, altern und verblassen, während die andere Seite mit UV-Schutz unverändert bleibt. Mit der Zeit wird das Innere der Skulptur durch das Licht verblassen, wobei die Schatten der Skulptur selbst ein Bild erzeugen. So entsteht ein Farbverlauf, der den Lauf der Zeit und das in sich eingeprägte Bild der Skulptur darstellt. Es handelt sich um ein Werk, das über einen längeren Zeitraum hinweg organische Zersetzungsprozesse nachahmt und gleichzeitig seine volle konzeptionelle Entwicklung erreicht. Mit der Zeit tritt eine Schicht geschützten Pigments unter dem ungeschützten UV-Pigment hervor und lässt die Skulptur gewissermaßen wiedergeboren werden, indem sie sie in ihre ursprüngliche Form zurückversetzt, während die äußere Schicht vollständig verblasst.

AH: Die „Lichträume“ – zwei rechteckige, menschengroße Schutzräume mit Marmorglasdecken – weisen ein ganz anderes Verhältnis zu Licht und Belichtung auf, ebenso wie die fünf zugehörigen Fotogramme, die im One MetroTech Center installiert sind. Welcher Zusammenhang besteht zwischen diesen Werken und dem fotografischen Prozess selbst?

SF: Die Lichträume projizieren täglich die Farben der Glasmalerei in den kleinen Raum. Je nach Helligkeit des Sonnenlichts sind zu unterschiedlichen Zeiten unterschiedliche Farben stärker sichtbar und spiegeln sich im Raum. Das Gegenstück dazu sind die Farbfotogramme. Diese werden in der Dunkelkammer mit genau dem Glas der Skulptur angefertigt, sodass man das Bild der Farben im Glas in fotografischer Form sieht. Da die Fotografie in der Dunkelkammer entstand, sind die Farben natürlich invertiert: Blau wird zu Rot, Grün zu Violett usw., und das natürliche Licht erzeugt eine Art mechanische Reproduktion. Während man das abstrakte Licht im Raum in seinen wahren Farben erstrahlen sieht, betrachtet man im gerahmten Abzug eine detailgetreue Reproduktion des Glases in fotografischen Farben. Hinzu kommt, dass sich natürliches Glas als chemische Verbindung ständig verändert. So wird das Foto in hundert Jahren zwar gleich aussehen, das Muster auf dem Glas jedoch anders. Dass sich das Glas im Laufe der Zeit verändert und das Foto als Dokumentation an Glaubwürdigkeit verliert, ist ein zusätzlicher Bonus.

AH: Bei der Entwicklung dieser Ausstellung haben wir viel über MetroTech Commons und die übliche Nutzung des Raums gesprochen. Wie hat sich die Idee der Interaktivität bei der Konzeption der Ausstellung herausgebildet?

SF: Wir sprachen ursprünglich über Spielplätze, ein in vielerlei Hinsicht spannendes Konzept, insbesondere hinsichtlich Form, Material und Raum. Mit der Zeit wollte ich mich jedoch eher auf eine sinnliche als auf eine physische Interaktion konzentrieren; ich abstrahierte den Begriff der Interaktivität im öffentlichen Raum und nutzte Spielplätze und Turnhallen als Katalysator. Mir ist es wichtig, eine direkte Verbindung zwischen Kunstwerk und Betrachter herzustellen, ohne dass materielle oder künstlerische Vermittlung im Weg steht. Der Erfolg eines Kunstwerks hängt also davon ab, wie es eine Idee durch die Erfahrung des Betrachters vermitteln kann – ohne die persönlichen Eigenheiten oder die Geschichte des Künstlers einzubringen. Normalerweise tue ich dies visuell, aber angesichts der Gegebenheiten des Raumes bei MetroTech war es interessant, darüber nachzudenken, wie das Sehen mit anderen Sinneswahrnehmungen wie Klang und Temperatur zusammenwirkt. Im Idealfall führt die Ausstellung den Betrachter durch eine Erfahrung, die von Alltagsgegenständen wie Fenstern und Bänken geprägt ist, ihm aber einen umfassenderen Eindruck unserer Bewegung im Raum vermittelt, verbunden mit natürlichen Elementen, industriellen Objekten und unserem Körper.

AH: Wie haben Sie die Farbpalette für diese Werke ausgewählt? Gibt es eine bestimmte Logik hinter den Entscheidungen?

SF: Ich wollte ein einladendes Labyrinth schaffen, das die Betrachter zum Erkunden und Durchqueren animiert. Deshalb habe ich hier hellere, verspieltere Farben verwendet. Für die Windspiele wählte ich hellere, gedeckte Farben, um die Leichtigkeit des Windes und erdige Naturtöne widerzuspiegeln. Gleichzeitig lenkt es von ihrem Gewicht ab und betont ihre Leichtigkeit in Form und Funktion. Dasselbe Prinzip wandte ich bei den Waagen an: Ich gestaltete die Objekte heller und die Sockel dunkler, um den Eindruck schwereloser Formen auf dem Boden zu erzeugen, obwohl diese später Wasser und Gewicht aufnehmen werden.

AH: Die Objekte in dieser Ausstellung sind erkennbar und vertraut – eine Wippe oder Waage, ein Labyrinth, ein kleiner quadratischer Raum –, aber ihre Geometrie und Formen lassen eine Verbindung zum Minimalismus erkennen. Was fasziniert Sie an dieser Geschichte?

SF: Mein Interesse am Minimalismus entstand aus dem Wunsch, den Künstler vom Kunstwerk zu distanzieren und dem Betrachter Raum zu geben. Mich interessierte insbesondere, wie der Minimalismus versucht, das Bewusstsein des Betrachters für den von ihm eingenommenen und ihn umgebenden Raum zu schärfen. Ich finde, dass viele Formen und Designs des Minimalismus nach wie vor gut geeignet sind, eine direkte, ungestörte Beziehung zwischen Betrachter und Objekt herzustellen. Gleichzeitig sehe ich aber auch Möglichkeiten, einen freundlicheren und anregenderen Dialog mit organischen Elementen und optionalen ästhetischen Aspekten wie Farbe zu gestalten. Minimalismus als Kunstform kann sowohl intellektuell als auch menschlich sein, nicht nur intelligent und kühl. Im Alltag sind wir von minimalistischer Inspiration umgeben, die aus der Industrie stammt und später wieder in deren Anwendung mündet. Um also mit Raster und rechten Winkeln in Werken, die sich mit der Natur auseinandersetzen, umzugehen, können wir unsere Wahrnehmung der Stadt und essenzieller Umweltelemente wie Sonne und Regen beleuchten.

AH: Viele Ihrer Werke, die in traditionellen Galerien präsentiert werden, sind eigentlich für die Ausstellung im Freien bestimmt. Ändert sich Ihr Arbeitsprozess, wenn die Werke von vornherein für eine Freiluftausstellung konzipiert sind?

SF: Nicht wirklich – aber der Maßstab wird etwas größer und die Installation viel einfacher! Ich arbeite nämlich so viel im Freien mit vielen meiner anderen, eher zweidimensionalen Arbeiten, dass mein Maßstab stärker mit dieser spezifischen Umgebung interagiert, wie Feldern und Parkplätzen, Autos und Bäumen, sodass auch die Skulpturen mit diesen Ideen im Hinterkopf entstehen, als Vorschläge an die Natur und die Stadt.

Sam Falls (geb. 1984 in San Diego, Kalifornien) lebt und arbeitet in Los Angeles. Seine Arbeiten wurden unter anderem im LAXART, Los Angeles; im Museo MADRE, Neapel, Italien; im International Center of Photography, New York; in der American Academy in Rom; im Fotografiska, Stockholm; und im Woodstock Center for Photography, New York, ausgestellt. Ausstellungen seiner Werke fanden in der Guiliani Foundation, Rom (2015), im Ballroom Marfa, Texas (2015); im Hammer Museum, Los Angeles (2015); in der Zabludowicz Collection, London (2014); und im Pomona College Museum of Art, Claremont, Kalifornien (2014) statt. Seine Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum of Contemporary Art, Los Angeles, und des International Center for Photography, New York. Er erwarb seinen Bachelor-Abschluss am Reed College und seinen Master-Abschluss am ICP-Bard. Er hat mehr als zehn Bücher im Selbstverlag veröffentlicht. Farbe ausbleichen (Hassla, 2009), Dans la Chambre Verte (JSBJ, 2010), Leichte Arbeit (Gottlund Verlag, 2010) und Sichtbare Bibliothek (Lay Flat, 2011). Falls wird vertreten von der Galerie Eva Presenhuber, Zürich, und der Hannah Hoffman Gallery, Los Angeles.