Terminal B am Flughafen LaGuardia

LaGuardia Flughafen

Daueransicht

Über uns

Im Laufe der Geschichte spielten außergewöhnliche Kunstwerke oft eine Schlüsselrolle in öffentlichen Räumen, die nicht nur der Öffentlichkeit dienten, sondern auch den Geist ihrer Kultur und ihres Ortes einfingen und zum Ausdruck brachten. Dieses Bestreben prägte die Entwicklung dieser Reihe bedeutender, permanenter Installationen für die Ankunfts- und Abflughalle des Terminals B des Flughafens LaGuardia, die von LaGuardia Gateway Partners in Zusammenarbeit mit [Name des Partners/der Partnerin] in Auftrag gegeben wurden. Public Art FundDas Terminal B, das im Juni 2020 von Gouverneur Andrew M. Cuomo für die Öffentlichkeit freigegeben wurde, ist ein zentrales Element der wohl dramatischsten Umgestaltung der New Yorker Verkehrsinfrastruktur seit einer Generation.

Public Art Fund LaGuardia Gateway Partners, Entwickler und Betreiber von Terminal B, wurde eingeladen, gemeinsam ein umfassendes Kunstprogramm für das neue Gebäude zu entwickeln und umzusetzen. Ziel war es nicht, einfach bestehende Kunstwerke in einem Flughafen zu platzieren, sondern vier der weltweit führenden Künstler zu beauftragen, ambitionierte, ortsspezifische Werke zu schaffen, die integraler Bestandteil des Gebäudes werden sollten. Die vier Künstler – Jeppe Hein, Sabine Hornig, Laura Owens und Sarah Sze – wurden ermutigt, ihre persönlichen Erfahrungen mit New York City in ihre Werke einfließen zu lassen. Die entstandenen Werke spiegeln eine vielschichtige Weltstadt wider, geprägt von kreativer Energie, Offenheit, Diversität und demokratischem Geist.

Die Architektur des Terminals ist geprägt von fließenden Räumen und reichlich natürlichem Licht. Die Künstler haben diese Elemente aufgegriffen und in ihre Installationen integriert. Jedes Werk zeichnet sich durch eine gewisse Leichtigkeit in Form und Inhalt aus und fügt sich harmonisch in die monumentale Dimension des Gebäudes ein. Die Arbeiten scheinen im Raum zu schweben und beleben ihn auf überraschende Weise. Die Themen der Künstler umfassen die gebaute und natürliche Umwelt New Yorks, seine kulturelle Identität und seine Geschichte – einschließlich der Geschichte des Flughafens. Mit der Herausforderung, ein permanentes Kunstwerk für den Flughafen LaGuardia zu schaffen, haben Hein, Hornig, Owens und Sze ihr außergewöhnliches Talent unter Beweis gestellt. In einem beispiellosen Maßstab und oft mit ungewohnten Materialien haben die vier Künstler dazu beigetragen, diese wichtige Infrastruktur in ein eindrucksvolles neues Wahrzeichen der Stadt zu verwandeln.

Jeppe Hein, Alle deine Wünsche

Dutzende farbenfrohe und reflektierende, ballonförmige Stahlskulpturen des Künstlers Jeppe Hein sind im gesamten Terminal B verteilt, als wären sie in die Luft gelassen worden und würden der Schwerkraft trotzend zur Decke schweben. Wie eine märchenhafte Brotkrumenspur sind sie an jeder Ecke zu finden und laden die Betrachter ein, den Blick gen Himmel zu richten und sich von ihrem Staunen leiten zu lassen. Auf Bodenebene erfinden Heins witzige und fantasievolle Bankskulpturen eine vertraute Form des Sitzens neu und verwandeln ein funktionales Objekt in ein lyrisches und stimmungsvolles Kunstwerk. Drei leuchtend rote Bänke biegen, winden und drehen sich und laden unwiderstehlich zu spontanem Ausdruck und sozialer Begegnung ein. Heins Bänke bieten unzähligen Reisenden einen Moment der Ruhe und eröffnen neue Perspektiven auf uns selbst, auf andere und auf die Räume, die wir gemeinsam nutzen.

Seit über zwei Jahrzehnten schafft Hein Skulpturen und Installationen, die das traditionelle Verhältnis zwischen Kunstwerk und Betrachter hinterfragen. Seine Installationen, die oft als Interventionen im öffentlichen Raum stattfinden, verbinden das Konzeptuelle mit dem Erlebnishaften und werden durch die Interaktion der Betrachter aktiviert. In Heins Werk werden scheinbar einfache und vertraute Medien – Text, Spiegel, Wasser, Pinselstriche sowie alltägliche Gebrauchs- und Dekorationsgegenstände – in unerwartete Kontexte gestellt oder mit verblüffenden Eigenschaften versehen. Diese subtilen Gegenüberstellungen rufen Überraschung und Faszination hervor und regen uns dazu an, neue Wege der Auseinandersetzung mit unserer Welt und uns selbst zu entdecken. Charakteristisch für Heins künstlerische Praxis sind die beiden Formen der „sozialen Skulptur“, die im Terminal B installiert wurden und einer aufrichtigen Absicht entsprangen: Freude zu wecken, Wahrnehmungen zu verändern, den Betrachter für neue Erfahrungen zu öffnen und inmitten des Trubels eines geschäftigen Verkehrsknotenpunkts Momente der Empathie und Verbundenheit zu ermöglichen. Die schlichte Ästhetik von Heins Objekten ist von der Tradition des Minimalismus und der Konzeptkunst der 1970er-Jahre inspiriert. Trotz ihrer formalen Einfachheit ist jedes seiner Werke handgefertigt und durchläuft strenge und präzise technische Verfahren. Hein lebt und arbeitet in Berlin.

Für weitere Informationen über Jeppe Hein besuchen Sie bitte www.jeppehein.net

(geb. 1974 in Kopenhagen, Dänemark)
Alle deine Wünsche, 2020.
Installation von 70 Spiegelballons (PVD-beschichteter Edelstahl) und 3 modifizierten Sitzbänken (pulverbeschichtetes Aluminium)
Ballons: je 40 cm hoch x 28 cm breit x 28 cm tief
Bänke: A) 76 cm hoch x 231 cm breit x 127 cm tief; B) 168 cm hoch x 538 cm breit x 163 cm tief; C) 84 cm hoch x 168 cm breit x 0,41 m tief
Im Auftrag von LaGuardia Gateway Partners in Partnerschaft mit Public Art Fund

Installationsfotos

Menschen gehen durch ein Flughafenterminal, unter hohen weißen Decken, über denen bunte, metallisch glänzende Ballons zu schweben scheinen.

Eine rote, skulpturale Bank und eine Gruppe bunter, metallisch schimmernder Luftballons sind in einem Flughafenterminal zu sehen, um den sich Menschen drängen.

Eine Reihe metallisch glänzender Ballons scheint vor einer weißen Decke zu schweben. Die Ballons sind blau, silber, grün, magenta, rot und gold.

Eine Reihe metallisch glänzender Ballons scheint vor einer weißen Decke zu schweben. Die Ballons sind blau, silber, grün, magenta, rot und silber.

Jeppe Hein dankt seinem Studio (Stephan Babendererde, Robert Banovic, Lutz Herrmann) und VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

Über den Künstler

Jeppe Hein Profil

Seit über zwei Jahrzehnten schafft Jeppe Hein (geb. 1974 in Kopenhagen, Dänemark) Skulpturen und Installationen, die das traditionelle Verhältnis zwischen Kunstwerk und Betrachter hinterfragen. Seine Installationen, die oft als Interventionen im öffentlichen Raum stattfinden, verbinden das Konzeptuelle mit dem Erlebnishaften und werden durch die Interaktion der Betrachter aktiviert. In Heins Werk werden scheinbar einfache und vertraute Medien – Text, Spiegel, Wasser, Pinselstriche sowie alltägliche Gebrauchs- und Dekorationsgegenstände – in unerwartete Kontexte gestellt oder mit verblüffenden Eigenschaften versehen. Diese subtilen Gegenüberstellungen rufen Überraschung und Faszination hervor und regen uns dazu an, neue Wege zu finden, unsere Welt und uns selbst wahrzunehmen.

Heins Einzelausstellungen umfassen Wer bist du ... wirklich?, Moderna Museet, Stockholm (2022); Jeppe Hein: Kreisförmiger Raum, National Gallery of Victoria, Melbourne (2016); 360 °C., Kunstmuseum des 21. Jahrhunderts, Kanazawa, Japan (2011); Sense City, ARoS Aarhus Kunstmuseum, Dänemark (2009); Und EntfernungBarbican Art Centre, London (2007). Zu den bemerkenswerten Gruppenausstellungen zählen Imaginäre Freunde, Fundació Joan Miró, Barcelona (2023); Das Leben in der StadtFlughafen Tempelhof, Berlin (2020); Negativer Raum, ZKM, Zentrum für Kunst und Median Kalsruhe, Deutschland (2019); Und RaumwandlerHayward Gallery, London (2018). Zu ihren früheren Aufträgen für Kunst im öffentlichen Raum gehört der Wasserpavillon in West Palm Beach, Florida (2019); Spiegellabyrinth Besthoff-Skulpturengarten, New Orleans (2018); Jeppe Hein: Bitte berühren Sie die Kunst. in Autrag gegeben von Public Art FundNew York City (2015). Seine Werke befinden sich in den Sammlungen des Centre Pompidou, Paris; des MOCA, Los Angeles; des Rijksmuseums, Amsterdam; und der Tate, London. Hein lebt und arbeitet in Berlin.

(ab 2023)

Sabine Hornig, La Guardia Vistas

Künstlerin Sabine Hornig La Guardia Vistas Das Werk verändert unsere Wahrnehmung des Stadtbildes. Ihre transparente Fotocollage füllt eine weitläufige Glasfassade und lässt das Sonnenlicht die Besucher beim Durchqueren des Connectors in ein Kaleidoskop aus Farben, Bildern und Texten eintauchen. Die detailreiche Komposition vereint über 1,100 Fotografien von New York City zu zwei ineinandergreifenden Stadtansichten. In sanften Blautönen gehaltene Gebäude ragen bis zu den Spitzen umgedrehter Wolkenkratzer empor, die das goldene Licht der Morgensonne reflektieren. Der Titel des Werkes bezieht sich auf Fiorello La Guardia, den Gründer des Flughafens und Bürgermeister von New York City von 1934 bis 1945. Hornig hat 20 Zitate von und über La Guardia eingefügt und erinnert uns so an die Kraft visionärer Führung, unsere gemeinsame Umwelt zu gestalten.

In ihrer dreißigjährigen künstlerischen Praxis kombiniert Hornig Fotografie, Skulptur und Installation, um Bilder und Umgebungen zu schaffen, die den Betrachter in eine neu gedachte Welt eintauchen lassen. Ihre Arbeiten erforschen die Spannung zwischen Fläche und dreidimensionalem Raum und behandeln transparente architektonische Materialien wie Glas oft gleichzeitig als Oberfläche, Sujet und Portal. Hornigs dicht collagierte Kompositionen überlagern divergierende fotografische Perspektiven und eröffnen so neue Wahrnehmungs- und Konzeptfelder. Durch die Schichtung von Bildern mit tiefgreifender kultureller und politischer Bedeutung untersucht sie die Strukturen und Geschichten, die unsere kollektive Erfahrung bis heute prägen. La Guardia VistasIn ihrer bisher größten Installation nutzte Hornig die höchstauflösende kommerziell erhältliche Kamera, um sowohl kleinste architektonische Details als auch flüchtige Momente im Leben New Yorks einzufangen. Ihre neu interpretierte Stadtlandschaft vereint ihre Recherchen zum Leben und Wirken von Fiorello La Guardia zu einem monumentalen Bild, das sich mit den Begriffen Zeit, Ort, Geschichte und Erinnerung auseinandersetzt. Hornig lebt und arbeitet in Berlin.

Weitere Informationen über Sabine Hornig finden Sie unter [Link einfügen].

http://www.sabine-hornig.de

(geb. 1964 in Pforzheim, Westdeutschland)
La Guardia Vistas, 2020.
Latextinte und Vinyl auf Glas montiert
42 Fuß hoch x 268 Fuß breit
Im Auftrag von LaGuardia Gateway Partners in Partnerschaft mit Public Art Fund

Installationsfotos

Ein kaleidoskopartiges Farbenspiel aus einer fotocollageartigen Stadtlandschaft füllt die gesamte Länge zweier Stockwerke hoher Glasfenster im Inneren eines Flughafenterminals.

Eine farbenfrohe Fotocollage aus Stadtansicht und Text füllt die gesamte Länge hoher Glasfenster im Inneren eines Flughafenterminals.

Die zitierten Texte stammen mit freundlicher Genehmigung von:

Ronald H. Bayor, Fiorello La Guardia: Ethnizität, Reform und Stadtentwicklung. Hoboken, NJ: Wiley, 2018; Alyn Brodsky, Der große Bürgermeister: Fiorello La Guardia und die Entstehung der Stadt New YorkNew York: St. Martin's Press, 2003; Fiorello H. La Guardia Collection, La Guardia and Wagner Archives, La Guardia Community College, CUNY, Long Island City, NY; The New York Times Times Machine; Daniela Rossini, Woodrow Wilson und der amerikanische Mythos in ItalienCambridge, MA: Harvard University Press, 2008; Mason B. Williams, Stadt der Ambition: FDR, La Guardia und die Entstehung des modernen New YorkNew York: WW Norton, 2013.

Sabine Hornig dankt Arnold Dreyblatt, Markus Hannes, Bettina Hertrampf, Dirk Lebahn, Hilette Lindeque, Mark Pokorny, Martin Rossmann, Annette Überlein, Edye Weissler, ColorX (Serhat Cokuk, Gary Teich), Grieger GmbH (Jörg Lotz, Ute Zeise), Phase One, Heinz Papst, The Municipal Archives New York, The New York Times Archive, The Public Library, Ronald H. Bayor, Adrian Benepe, Joel Draper, Thomas Kessner, Mason B. Williams und Tanya Bonakdar Gallery New York-Los Angeles.

Über den Künstler

Sabine Hornig Profil

In ihrer dreißigjährigen künstlerischen Praxis verbindet Sabine Hornig (geb. 1964 in Pforzheim) Fotografie, Skulptur und Installation zu Bildern und Umgebungen, die den Betrachter in eine neu gedachte Welt eintauchen lassen. Ihre Arbeiten erforschen die Spannung zwischen Fläche und dreidimensionalem Raum und behandeln transparente architektonische Materialien wie Glas oft gleichzeitig als Oberfläche, Sujet und Portal. Hornigs dicht collagierte Kompositionen überlagern unterschiedliche fotografische Perspektiven und eröffnen so neue Wahrnehmungs- und Konzeptwelten. Durch die Schichtung von Bildern mit tiefgreifender kultureller und politischer Bedeutung untersucht sie die Strukturen und Geschichten, die unsere kollektive Erfahrung bis heute prägen.

Zu Hornigs Einzelausstellungen gehören Muster der Unsicherheit, Kunsthalle Tiflis, George (2023); DurchgangFraunhofer-Institut, Mainz, Deutschland (2022); Nomadcity, Museo Nivola Orani, Italien (2015); Doppelte Transparenz, Sinnesräume 2, Boijmans van Beuningen Museum, Rotterdam, Niederlande (2013–14); Und Durch das Fenster, Pinakothek der Moderne und Alte Pinakothek, München (2011). Zu den bemerkenswerten Gruppenausstellungen gehören Im Jetzt: Geschlecht und Nation in Europa, Brooklyn, Museum (2024); Transparenz in der Architektur und darüber hinaus, das Museum of Modern Art, New York City (2022); SEIDE., Kochi-Muziris-Biennale, Kochi, Indien (2014/15); Und Am Fenster, J. Paul Getty Museum, Los Angeles (2013). Zu ihren öffentlichen Kunstaufträgen gehören Café Shadow, Deutsches Parlamentsgebäude, Berlin (2025) und SchattenSydney International Towers. Hornig lebt und arbeitet in Berlin.

Laura Owens, Ich 🍕 New York

Laura Owens' Mosaikwandbild nutzt jede Kurve, Ecke und Fläche der größten Innenwand des Flughafens und verwandelt sie in eine Hommage an New York City. Vor einem strahlend blauen Himmel mit illustrativen Wolken stellt Owens Dutzende ikonischer Motive dar, die die Fantasie der Öffentlichkeit nach New York City beflügeln. Das Wandbild zeigt historische Kunstwerke im öffentlichen Raum, beliebte Wahrzeichen, kulinarische Köstlichkeiten und alltägliche Sehenswürdigkeiten der Stadt und integriert zudem zahlreiche Symbole des weitverzweigten Verkehrsnetzes, das all dies miteinander verbindet. Das kolossale Werk vereint ihren einzigartigen Malstil mit der Handwerkskunst handgefertigter Keramik und der Bildsprache digitaler Bildbearbeitung. Die dynamische Komposition verändert sich mit dem Blickwinkel: Aus der Ferne erkennbare Bilder verwandeln sich aus der Nähe in abstrakte Rasterstrukturen, die in impressionistischen Farben und verschwommenen Eindrücken unserer imaginierten Stadt verschwimmen.

Seit den späten 1990er Jahren verfolgt Owens einen vielseitigen und experimentellen Ansatz im Umgang mit der Malerei – ein Ansatz, der ein breites Spektrum an Quellen von der Avantgarde über den Populismus bis hin zum Dekorativen umfasst. Sie erlangte Anerkennung, indem sie die Geschichte und formalen Konventionen des Mediums respektlos auf den Kopf stellte und Techniken und Motive aus der bildenden Kunst, der Volkskunst, der Popkultur und der Technologie aufgriff und neu kombinierte. Owens’ Gemälde hinterfragen häufig die Grenzen zwischen Bild- und physischem Raum, indem sie sich mit ihrem architektonischen Kontext auseinandersetzen. In den letzten Jahren hat sie vermehrt verschiedene Medien in raumgreifenden Installationen eingesetzt, die die Konstruktion und den Konsum zeitgenössischer visueller Kultur untersuchen. I🍕NY Dies ist Owens’ erstes Fliesenmosaik und zugleich ihr bisher größtes Werk. Nachdem sie im Laufe ihrer 25-jährigen Karriere zeitweise in New York City gelebt hat, reicht Owens’ ikonografische Hommage von allgemein bekannten Motiven über künstlerisch bedeutende bis hin zu persönlich bedeutsamen. Owens lebt und arbeitet in Los Angeles.

Für weitere Informationen über Laura Owens besuchen Sie bitte www.owenslaura.com

(geb. 1970 in Euclid, Ohio)
I🍕NY, 2020.
Handgefertigte glasierte Keramikfliesen und Fugenmasse
67'10” hoch x 566'3” breit x 28'11” tief
Im Auftrag von LaGuardia Gateway Partners in Partnerschaft mit Public Art Fund

Installationsfotos

Ein großflächiges Fliesenmosaik mit einem hellblauen Himmel voller illustrativer Wolken sowie Vögeln, einer Raupe und anderen Motiven.

Ein weitläufiges Fliesenmosaik mit einem hellblauen Himmel voller illustrativer Wolken, einer Fähre und der Achterbahn Cyclone auf Coney Island.

Ein großflächiges Fliesenmosaik zeigt einen hellblauen Himmel mit illustrativen Wolken, die „I Heart NY“ bilden.

Ein weitläufiges Fliesenmosaik zeigt einen hellblauen Himmel mit illustrativen Wolken, einen schwebenden Bagel, die Spitze des Empire State Buildings und ein „I Heart…“

Ein gefliestes Mosaik zeigt den Schriftzug „The Stonewall Inn“ neben einem Düsenjet, der durch einen hellblauen Himmel fliegt und zwischen zwei großen weißen Wolken hervorlugt.

Ein weitläufiges Fliesenmosaik mit einem hellblauen Himmel voller illustrativer Wolken, einem Eiswagen und einer schwebenden Pizza und einem Hotdog.

Ein Mosaik aus Kacheln, das eine U-Bahn-Karte vor einem hellblauen Hintergrund zeigt, mit dem Rand einer großen Wolke oben links.

Ein gefliestes Mosaik zeigt ein Schild mit der Aufschrift „Borough Hill“ vor hellblauem Hintergrund, oben links ist der Rand einer großen Wolke zu sehen.

Nahaufnahme eines Fliesenmosaiks mit einem Stück Pizza vor weißem Hintergrund.

Ein gefliestes Mosaik der Freiheitsstatue, die vor einem hellblauen Hintergrund schwebt, mit dem Rand einer großen Wolke oben links.

Ein Mosaik aus Kacheln, das das Bild von John Lennon zeigt, schwebt vor einem hellblauen Hintergrund, oben links ist der Rand einer großen Wolke zu sehen.

Ein Mosaik aus Fliesen, das ein weißes „I heart ny“-T-Shirt zeigt, das vor einem hellblauen Hintergrund schwebt, mit dem Rand einer großen Wolke oben links.

Ein gefliestes Mosaik, das das Schild des Apollo-Theaters vor einem hellblauen Hintergrund zeigt, mit dem Rand einer großen Wolke oben links.

Laura Owens dankt dankbar ihrem Studio (Amy Baumann, Dave Berezin, Elliot Kaufman, Nic Seago Burrier, Ben Carlson), Sadie Coles HQ, London (Sadie Coles, Laura Lord), Gavin Browns Unternehmen (Gavin Brown, Ivan Guytan), Tania Garbe, BRB Tile/Local 7 NY/NJ (Bill Lardieri, Ed Conners, Chris Burden, Joe Dimauro, Mike Ferrante, Armenio Gomes, Marty Matesic, Leonardo Pazos, Feris Roci, Sebastian Rodriguez Chanquet, Jon Shenefield, Giuseppe Troia, Akini Williams, Akini Williams Jr.), Dry Lay Team (Olga Rudenko, Laura Morrison, JJ Ariosa, Cat Baldwin, AnnaLiisa Ariosa-Benston, Elise Duryee-Browner, Lili Garcia, Katherine Forst, Samuel Kim, Lizzy Myers, Hayley Nichols, Michelle Rich, Amy Ritter, Madelyn Rivera, Sophia Starling), Matthew Au, Fireclay Tile (Eric Edelson, Caitlyn Child, Nick Cordova, Katherine Lee) und The Lenape Center (Hadrien Coumans, Joe Baker).

Über den Künstler

Laura Owens Profil

Seit den späten 1990er Jahren verfolgt Laura Owens (geb. 1970 in Euclid, Ohio) einen vielseitigen und experimentellen Ansatz in der Malerei – ein Ansatz, der ein breites Spektrum an Quellen von der Avantgarde über den Populismus bis hin zum Dekorativen umfasst. Sie erlangte Anerkennung, indem sie die Geschichte und formalen Konventionen des Mediums respektlos auf den Kopf stellte und Techniken und Motive aus der bildenden Kunst, der Volkskunst, der Popkultur und der Technologie aufgriff und neu kombinierte. Owens’ Gemälde hinterfragen häufig die Grenzen zwischen Bild- und physischem Raum, indem sie sich mit ihrem architektonischen Kontext auseinandersetzen. In den letzten Jahren hat sie vermehrt verschiedene Medien in raumgreifenden Installationen eingesetzt, die die Konstruktion und den Konsum zeitgenössischer visueller Kultur untersuchen.

Zu den Einzelausstellungen des Künstlers gehören Laura Owens: Wiederholung, Cleveland Museum of Art, OH (2021); Laura Owens & Vincent van Gogh, Fondation Vincent van Gogh, Arles, Frankreich (2021); Whitney Museum of American Art, New York City (2017); Zehn Gemälde, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2016); und Secession, Wien (2015). Zu den bemerkenswerten Gruppenausstellungen gehören Von Cindy Sherman bis Francesco Vezzoli: 80 zeitgenössische Künstler Palazzo Reale, Mailand (2025); Copistes, Centre Pompidou-Metz, Metz, Frankreich (2025); Tag für Nacht: Neuer amerikanischer RealismusNationalgalerie für Antike Kunst, Palazzo Barberini, Rom (2024); Den Moment festhalten, Tate Modern, London (2023); und INFORMATION (Heute), Kunsthalle Basel, Schweiz (2021). Ihre Werke befinden sich in den Sammlungen des Art Institute of Chicago, IL; des Centre Georges Pompidou, Paris; des Whitney Museum of American Art, New York City; des Metropolitan Museum of Art, New York City; des Museum of Modern Art, New York City; des ICA, Boston; und der Tate Modern, London. Owens lebt und arbeitet in Los Angeles.

(ab 2026)

Sarah Sze, Kürzer als der Tag

Diese monumentale Skulptur der Künstlerin Sarah Sze veranschaulicht den Lauf der Zeit durch ein komplexes Gefüge aus Fotografien. Hunderte von Bildern formen eine wie eine Fata Morgana wirkende Kugel, die scheinbar in der Luft schwebt. Jede Fotografie fängt eine Momentaufnahme des Himmels über New York City ein, aufgenommen im Laufe eines Tages. Gemeinsam zeichnen sie einen zyklischen Verlauf nach: vom fahlen Gelb der Morgendämmerung über das leuchtende Blau des Tages, das dunkle Orange des Sonnenuntergangs bis hin zum Violett der Mitternacht. Wie die Erde ist auch Szes Globus zerbrechlich und gibt beim Umkreisen immer mehr von sich preis. Kürzer als der Tag ist eine Meditation über Beständigkeit und Vergänglichkeit, die die Essenz des gleichnamigen Gedichts von Emily Dickinson verkörpert. Sze verleiht der in der kraftvollen Zeile des Gedichts ausgedrückten Idee Form: „Wir gingen an der untergehenden Sonne vorbei / Oder besser gesagt – sie ging an uns vorbei.“

Seit den späten 1990er Jahren nutzt Sze unterschiedlichste Medien, um das Zusammenspiel von Information, Technologie, Materialität und Zeit zu erforschen. In ihren Skulpturen schafft sie komplexe Assemblagen aus Alltagsgegenständen, die in einem fragilen Gleichgewicht gehalten werden, als stünden sie kurz vor der Metamorphose. Szes Werke sind eine Studie der Kontraste – Fläche und Volumen, Stille und Bewegung, Ordnung und Chaos –, deren gleichzeitige Gegensätzlichkeit und Anziehung eine magnetische Spannung erzeugen. Obwohl präzise konstruiert, vermitteln ihre großformatigen Installationen eine organische, dynamische Wirkung und entfalten sich wie eine eindrucksvolle Geste im Raum. Kürzer als der Tag Es handelt sich um Szes bisher größte und strukturell komplexeste Skulptur. Das Werk verschmilzt subtil das Vergängliche mit dem Unveränderlichen und offenbart gleichzeitig Spuren des Entstehungsprozesses: Die Büttenrandfotografien selbst sowie die nummerierten Fragmente gelben Klebebands, die ihre Position markieren, sind beides robuste, pulverbeschichtete Metallnachbildungen. So reflektiert Szes Skulptur die Fluidität der Zeit und fungiert zugleich als Zeitkapsel ihrer eigenen Entstehung. Sze lebt und arbeitet in New York City.

Für weitere Informationen über Sarah Sze besuchen Sie bitte www.sarahsze.com.

(geb. 1969 in Boston, MA)
Kürzer als der Tag, 2020.
Pulverbeschichtetes Aluminium und Stahl
48 Fuß hoch x 30 Fuß breit x 30 Fuß tief
Im Auftrag von LaGuardia Gateway Partners in Partnerschaft mit Public Art Fund

Installationsfotos

Ein komplexes Gefüge aus Hunderten von Fotografien bildet eine kugelförmige Fata Morgana, die in der Luft zu schweben scheint.

Eine Nahaufnahme einer Sternkonstellation am Himmel über New York City, die eine Fata Morgana-ähnliche Kugel bildet, die in der Luft zu schweben scheint.

Eine Nahaufnahme einer Konstellation von Momentaufnahmen des Himmels über New York City, die eine Fata Morgana-ähnliche Kugel bilden, die in der Luft zu schweben scheint.

Sarah Sze bedankt sich herzlich bei ihrem Studio (Mike Barnett, Joell Baxter, Yu Rim Chung, Christin Graham, Marissa Graziano, Helen Lin), Amuneal (Carson Bohlen, Rob D'Amico, Colin Dees, Josh Kerner, Ray Krenicki, Kevin Schultes) und VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

Über den Künstler

Sarah sze Profil

Seit den späten 1990er Jahren erforscht Sarah Sze (geb. 1969 in Boston, Massachusetts) mit unterschiedlichsten Medien das Zusammenspiel von Information, Technologie, Materialität und Zeit. In ihren Skulpturen schafft sie komplexe Assemblagen aus Alltagsgegenständen, die in einem fragilen Gleichgewicht gehalten werden, als stünden sie kurz vor der Metamorphose. Szes Werke sind eine Studie der Kontraste – Fläche und Volumen, Stille und Bewegung, Ordnung und Chaos –, deren gleichzeitige Gegensätzlichkeit und Anziehung eine magnetische Spannung erzeugen. Obwohl präzise konstruiert, vermitteln ihre großformatigen Installationen eine organische, dynamische Wirkung und entfalten sich wie eine eindrucksvolle Geste im Raum.

Sze präsentierte in jüngster Zeit Einzelausstellungen im Solomon R. Guggenheim Museum, New York (2023, 2020); in der Tate Modern, London (2018); im Haus der Kunst, München (2017); in der Asia Society, New York (2011); und im Whitney Museum of American Art, New York (2003). Zu ihren bemerkenswerten Gruppenausstellungen zählen Das lebendige Ende: Malerei und andere Technologien, 1970–2020Museum für zeitgenössische Kunst, Chicago (2024); Leuchtende Zeichen: Videokunst im Rampenlicht, Art Gallery of Ontario, Toronto (2024); Off the Wall, San Francisco Museum of Modern Art, CA (2020); Umgebung: 11 Installationen, das Museum of Modern Art, New York City (2019); und Prozess und Praxis: 40 Jahre des Experimentierens, Fabric Workshop and Museum, Philadelphia (2017). Szes Arbeiten wurden außerdem auf der 55. Biennale von Venedig (2013), der Biennale von São Paulo (2002), der Whitney Biennale 2000, der 48. Biennale von Venedig (1999) und der Carnegie International (1999) gezeigt. 2003 erhielt sie ein MacArthur-Stipendium. 2017 wurde ein permanentes Fliesenmosaik von Entwurf für eine Landschaft Die Ausstellung wurde an der U-Bahn-Station 96th Street der Second Avenue in Manhattan enthüllt. Szes Werke befinden sich in den Sammlungen des Brooklyn Museums (New York), des Centre Georges Pompidou (Paris), des Metropolitan Museum of Art (New York), des Museum of Contemporary Art (Los Angeles), des Museum of Modern Art (New York), des Smithsonian American Art Museum (Washington, D.C.) und der Tate Modern (London). Sze lebt und arbeitet in New York.

(ab 2023)

Über Creative Partnerships und LaGuardia Terminal B

Wir erweitern damit unsere Kernmission, dynamische Ausstellungen der faszinierendsten Künstler der Welt zu präsentieren und Kultur für alle zugänglich zu machen. Public Art FundKreative Partnerschaften Bringt strategische Planung, kuratorische Expertise, Projektmanagement und Kommunikationskompetenz in führende Kulturinstitutionen, Unternehmen und zivilgesellschaftliche Organisationen weltweit ein. Durch diese Kooperationen Public Art Fund beauftragt permanente Installationen und temporäre Ausstellungen im Einklang mit der einzigartigen Vision unserer Partner und den spezifischen Parametern jedes Standorts. Das Ergebnis sind neue Kunstwerke, die öffentliche Räume beleben, engagierte Zielgruppen schaffen und die Wirkung der eigenen Initiativen unserer Partner durch die Kraft der Kunst im öffentlichen Raum verstärken.

Public Art Fund LaGuardia Gateway Partners, der Entwickler und Betreiber von Terminal B, wurde eingeladen, gemeinsam ein umfassendes Kunstprogramm für das neue Gebäude zu entwickeln und umzusetzen. Ziel war es nicht, einfach bestehende Kunstwerke in einem Flughafen zu platzieren, sondern vier der weltweit führenden Künstler zu beauftragen, ambitionierte, ortsspezifische Werke zu schaffen, die integraler Bestandteil des Gebäudes werden sollten. Die vier Künstler – Jeppe Hein, Sabine Hornig, Laura Owens und Sarah Sze – wurden ermutigt, ihre persönlichen Erfahrungen mit New York City in ihre Werke einfließen zu lassen.