Proben für die Probe

Katy Pyle
Sneaker Ballez Dies ist ein fortgeschrittener Ballett-Kurs. Der Unterricht beginnt mit Übungen an vorhandenen architektonischen Elementen (und Skulpturen), die als Ballettstangen dienen, und verlagert sich dann in den öffentlichen Raum. Die Übungen finden quer über den Boden statt und werden vor Bäumen und neugierigen Zuschauern aufgeführt. Begleitet von nostalgischen und teils peinlichen queeren Pop-Hits von gestern und heute, lädt dieser Kurs dazu ein, sich auf Genuss, Verbundenheit und die eigene, individuelle Virtuosität zu konzentrieren. Die Barre-Übungen sind von meiner Lehrerin Janet Panetta inspiriert. Bitte tragen Sie bequeme Turnschuhe, in denen Sie sich drehen und springen können.
—Katy Pyle

Kernteilnehmer
Elia Jones
Josie Bettman
Julia Antinozzi
Michael Bryan Wang
Lavinia Eloise Bruce

-Biografie
Katy Pyle ist eine genderqueere, lesbische Tänzerin, Choreografin und Lehrerin. Seit 2002 tanzt Pyle professionell in New York City, unter anderem für John Jasperse, Jennifer Monson, Faye Driscoll, Ivy Baldwin, Xavier Le Roy und Young Jean Lee. 2011 gründete Pyle Ballez, um das klassische Ballett in eine inklusivere Zukunft zu führen. Dabei stellt sie die Erfahrungen von queeren, lesbischen, trans und nicht-binären Menschen in den Mittelpunkt ihrer Arbeit: Sie kreiert groß angelegte Handlungsballette, bietet offene Kurse an und veranstaltet öffentliche Gespräche. Wichtige Handlungsballette: „Der Feuervogel, ein Ballez“, Danspace Project, 2013, „Dornröschen und das Biest“, La Mama, 2016 und „Giselle der Einsamkeit“, The Joyce, 2021. Pyle hat Ballez bereits an renommierten Universitäten wie Princeton, Sarah Lawrence, Yale, Movement Research, CounterPULSE, Bowdoin, Whitman, Beloit, Slippery Rock, Rutgers, Berea College und Swarthmore aufgeführt. Derzeit unterrichtet Pyle Tanztechnik für Studierende am Eugene Lang College und Marymount Manhattan sowie für professionelle Tänzer bei Gibney Dance. Ballez.org

Angie Pittman
Soul Line Dance Es ist das Ergebnis unzähliger Gemeinschaften Schwarzer Menschen, die gemeinsam kreieren, teilen, üben und tanzen. Mit vorwiegend R&B-Musik wird Pittman einen offenen Kurs leiten und die Teilnehmenden durch 5–6 verschiedene Soul Line Dances führen, die sie im Laufe der Zeit gelernt hat. Wir tanzen zusammen, um uns miteinander und mit dem Raum, den wir bewohnen, zu verbinden.
—Angie Pittman

Kernteilnehmer
Malcolm-x Betts
Nile Harris
Gabriella Carmichael
Ariel Lembeck
Lily Bo Shapiro

-Biografie
Angie Pittman ist eine in New York lebende Tanzkünstlerin, Choreografin und Dozentin. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in The Kitchen, Gibney Dance, BAAD!, Movement Research in der Judson Church, Triskelion Arts, STooPS, The Domestic Performance Agency, The KnockDown Center, The Invisible Dog (Catch 73), The Chocolate Factory, Danspace Project und Roulette aufgeführt. Pittman hatte das Vergnügen, mit A Sef, Jasmine Hearn, Jonathan Gonzalez, Athena Kokoronis und Anita Mullin zusammenzuarbeiten. Sie besitzt einen Master of Fine Arts (MFA) in Tanz und Choreografie von der University of Illinois at Urbana-Champaign mit einem Nebenfach in Afroamerikanistik und ist zertifizierte Lehrerin der Umfundalai-Technik. Ihre choreografischen Arbeiten wurden durch einen Emergency Grant der Foundation for Contemporary Arts sowie durch Residenzen im Tofte Lake Center, bei Movement Research, New Dance Alliance Black Artists Space to Create und Djerrassi gefördert. Pittmans Werk bewegt sich im Spannungsfeld von Ballade, Groove, Glanz, Spiritualität, Ahnenforschung, Verletzlichkeit und Macht. Derzeit ist sie Gastdozentin für Tanz am Marymount Manhattan College.

Luciana Achugar
Vergnügungspraxis
Dieses partizipative Projekt basiert auf Achugars eigener Praxis, die er über Jahre hinweg durch das Tanzen als Methode des Verlernens von Denkmustern und des Lernens aus dem Körper entwickelt hat; eine Methode radikaler Selbstakzeptanz, anstatt dem Körper vorgefasste Meinungen über Sein und/oder Verhalten aufzuzwingen. Durch diese Praxis erforschen wir Wege, das bereits in uns Vorhandene (aber vielleicht Verdrängte oder Unterdrückte) freizulegen und die Bedingungen zu schaffen, damit es sich von selbst manifestieren und zeigen kann. Die Praxis des Genusses ist eine Praxis, das erlernte hierarchische Modell der Verkörperung, das uns einprogrammiert wurde, aufzulösen und die damit verbundene Scham zu überwinden, um ein freieres, selbstbestimmteres, dekolonisiertes, ursprünglicheres Selbst zu entdecken, das stärker mit seinen Instinkten, seinem Herzen, seinem Bauchgefühl und seiner Sexualität verbunden ist, um Zusammengehörigkeit und die Verbundenheit mit der Erde, mit uns selbst und mit anderen zu feiern.
—Luciana Achugar

Kernteilnehmer
Molly Lieber
Michael Mahalchick
Sarah White-Ayón
Oren Barnoy

-Biografie
Luciana Achugar ist eine in Brooklyn lebende Choreografin uruguayischer Herkunft, die sich künstlerisch im engen Austausch mit der New Yorker und der uruguayischen Tanzszene weiterentwickelt hat. Seit 1999 arbeitet sie in New York und Uruguay. Ihre Werke beschäftigen sich mit der postkolonialen Welt und suchen nach einer grundlegenden Dekonstruktion der bestehenden Machtstrukturen. Sie wurde zweimal mit dem Bessie Award ausgezeichnet und war für den Epilogue Award nominiert. OTRO TEATRO: Wahre Liebe (2016). Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter das Guggenheim-Stipendium, den Creative Capital Grant, den Foundation for Contemporary Arts Grant, MAP Funds, die Jerome Foundation, den Alpert Award 2017 und NYFA Artist Grants. Ihr jüngstes und laufendes Werk „PURO TEATRO: A Spell for Utopia“ begann als Online-Projekt auf Instagram, das im Herbst 2020 vom Time-Based Art Festival des Portland Institute of Contemporary Arts in Auftrag gegeben wurde, und feierte im November 2021 als Live-Performance im Chocolate Factory Theater Premiere, in Koproduktion mit dem Skirball Center for the Performing Arts der NYU. Derzeit ist sie Doris Duke Fellow der USA (2022).

Moriah Evans
Unsere Körper Wir selbst
Wir werden uns mit einer spekulativen Beziehung zum eigenen Körper und zu den Körpern anderer auseinandersetzen, um zu erfassen, was unsere Körper in sich bergen. Feministische Ansätze bilden die Grundlage für eine Tanzmethodik, die ihren Ursprung in den tiefsten Organen des Körpers hat. Wir werden mit einem System der Wahrnehmung und Handlung arbeiten, das fünf verschiedene energetische Modalitäten umfasst. Wir werden Bewegung aus individuellen Empfindungen heraus artikulieren, die für immer unergründlich und subjektiv bleiben, und dabei Darstellungen aufgeben, die oft auf die Körperoberfläche projiziert werden. Wie können wir auf Vorstellungen von Abfallstoffen im Körper zugreifen, um sie auszuscheiden? Wir werden kathartische Erfahrungen hin zu Zuständen des Selbst und des Körpers fördern und anschließend untersuchen, was in ihrem Gefolge geschieht, was zurückbleibt.
—Moriah Evans

Kernteilnehmer
Lizzie Feidelson
Kris Lee
Joao dos Santos Martins
Sarah Beth Percival
Varinia Canto Vila

BIO
Moriah Evans versteht Tanz und Choreografie als spekulativen Prozess. Indem sie Bewegung aus der unsichtbaren, aber spürbaren Welt der Körpermaterialität und des affektiven Innenraums entwickelt, hinterfragt Evans in ihren Projekten gängige Hierarchien zwischen Fleisch, Körper, Selbst und Subjekt. Basierend auf feministischer Kritik der Visualität und somatischen choreografischen Praktiken erweitert Evans das Verhältnis zum Tanz über das Sichtbare hinaus und eröffnet neue Wege, uns selbst und unsere Beziehungen zueinander wahrzunehmen. Zu ihren jüngsten Arbeiten gehören: RESTS (Beach Sessions, NY, 2021) BASTARDS: Wir sind alle uneheliche Kinder (NYU Skirball, New York City, 2019); Einrichtung (The Kitchen, NY, 2018); Herausfinden (SculptureCenter, New York City, 2018); Sei meine Muse (Pace Live, New York City, 2021; Hirshhorn Museum, Washington, DC, 2018; Villa Empain, Brüssel, 2016); Gesellschaftstanz 9–12: Begegnung (Danspace Project, New York City, 2015); Gesellschaftstanz 1–8: Inhaltsverzeichnis (ISSUE Project Room, New York City, 2015); Eine weitere Leistung (Danspace Project, New York City, 2013); und Raus und rein (8/8): SACHEN (Theatre de l'Usine, Genf, 2012). Im Jahr 2011 initiierte Evans Das Büro für die Zukunft der Choreografie—ein Kollektiv, das gegründet wurde, um partizipative Performances und choreografische Systeme zu erforschen. Evans war Chefredakteur von Zeitschrift für Bewegungsforschung und Leistungskunst (2013–20), kuratorische Beraterin des Tanzkongresses (2019) und seit 2016 Co-Kuratorin/Leiterin von Tanz- und Prozessprojekten (The Kitchen). Sie ist Preisträgerin des Individual Artist Award der Foundation for Contemporary Art, MacDowell Fellow und Guggenheim Fellow für Choreografie (2022).

David Watson
Übung macht den Meister.
Eine Abfolge improvisatorischer musikalischer Reaktionen im gesamten Park, die sich um Probe und dem umliegenden Parkgelände. Diese Reaktionen orientieren sich an den jeweiligen Orten und der Erforschung ihrer eigenen Klangeigenschaften. Inspiriert von der Idee einer „Probe“ als kultureller Form und ihrem Unterschied zur Aufführung mit ihren inhärenten Vorstellungen von Öffentlichkeit und Privatheit, werden diese Reaktionen von Wiesers Skulpturen und den Lebensgeschichten der Musiker geleitet.
—David Watson

Kernteilnehmer
Marcia Bassett – analoger Synthesizer
Daniel Carter – Altsaxophon
Marcus Cummins – Sopransaxophon
Ian Douglas-Moore – Gitarre, Elektronik
Lathan Hardy – Saxophon
Sam Kulik – Tuba
Talice Lee – Violine
Samara Lubelski – Violine
Ryan Sawyer – Schlagzeug
Kevin Shea – Schlagzeug
David Watson – Dudelsack

-Biografie
David Watson ist ein experimenteller Musiker und seit den 1980er Jahren eine feste Größe der New Yorker Musikszene. Sein Spezialgebiet ist neue Musik für Dudelsack. Er komponiert und konzertiert regelmäßig experimentelle Musik im öffentlichen Raum (unter anderem für Blaskapellen und Dudelsackkapellen), um Orte durch Klang zu erkunden. Die New York Times beschrieben “Eingesperrt“, Ein Stück, das er zusammen mit dem Choreografen Jamar Roberts schuf, bezeichnete er als „eine der bisher eindringlichsten künstlerischen Reaktionen auf die Covid-19-Krise“. Er organisiert und kuratiert seit über 40 Jahren experimentelle Musik.     https://davidwatsonmusic.net